1960, date clé, c'est la libération sexuelle. Elle a permis au corps humain de devenir un champ d'investigation pour de nombreux artistes contemporains. Cela permet d'explorer un nouveau genre, la performance. Des artistes se mettent eux-même en scène et utilisent leur corps comme matériaux de leurs œuvres. Certaines de leurs propositions peuvent être parfois violentes, critiques, politiques, revendicatrices, expérimentales. Ils mettent en avant la dimension sociale, politique, mécanique, sexuelle du corps qui devient un objet manifeste…
À vous d'en juger..
Anne-Sophie FLORES, Marine GUY
La peau support de motifs, de culture, d'identité
PEUPLES DE L’OMO, LES ARTS PREMIERS DANS LA PEAU
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| Hans Silvester, série "peuple de l'Omo", 2006 |
A l’est de l’Ethiopie, dans la vallée de l'Omo, vivent des peuples au mode de vie ancestrale. En effet, ces communautés perpétuent la tradition de peintures corporelles depuis des siècles ; ils font de leurs corps de véritables œuvres d’art. Cette peinture vient de la terre, et accompagnée de pigments végétaux, leur offre 4 couleurs pour élaborer leurs "tableaux vivants" : Rouge, ocre jaune et blanc. Ils dessinent alors du bout des doigts, ou parfois à l’aide d’un bout de bois ou un roseau. Leurs gestes sont spontanés, vifs, rapides, et c’est de ce geste qu’on obtient un mouvement essentiel, originel, qui n’a rien à envier aux grands maitres de la peinture.
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| Hans Silvester, série "peuple de l'Omo", 2006 |
Cette tradition permet à chacun de garder son identité, de l’affirmer, de s’exprimer. Le corps est alors le meilleur support pour extérioriser son âme, ses émotions. De plus, souvent, le corps s’enrichit d’une coiffure singulière, qui peut être élaborée à base de végétaux, de plumes ou de tout autre ornement piqué dans les cheveux retenus par de l’huile ou de l’argile. C’est donc toute la nature qui s’invite sur les corps, qui devient parure, qui nourrit cet "art premier". Cependant, cet art, n’est pas simplement destiné à être apprécié par son artiste, en effet, ils peignent pour l’autre, pour partager, pour se montrer, pour déployer leur adresse.
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| Hans Silvester, série "peuple de l'Omo", 2006 |
Solenne GLOUX
IRINA IONESCO, RENCONTRE INSOLITE AVEC LA MAFIA
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| Irina Ionesco,Le Japon interdit, 1996 |
Irina Ionesco est une artiste contemporaine, née en 1935 à Paris et d'origine roumaine. Son œuvre est très célèbre, surtout son travail photographique autour des femmes qu'elle fait poser dans des univers théâtralisés et souvent proche de l'érotisme. Cependant, une des œuvres célèbres de l'artiste est un reportage photographique réalisé en 1996 lors d'un voyage à Tokyo présentant des photos d'hommes. Partie au Pays du soleil levant pour y photographier des Geisha, des Sumo et des modèles japonais, elle aura finalement l'opportunité de rencontrer les membres de la mafia la plus en vogue de la capitale: les Yakuzas. Ceux-ci l'inviteront dans un hôtel luxueux équipé de bains traditionnels japonais où l'on se baigne nus et accepteront de bon cœur de se faire photographier. Ces hommes exposeront alors leurs tatouages à l’artiste et poseront librement une journée durant. Cette rencontre restera pour Irina Ionesco improbable et unique et donnera naissance à un livre présentant les photos prises durant cette journée qui sera édité en 2004 : "Le Japon interdit".
Louise ROUSSIÈRE
LE CORPS COMME MÉDIA D'ABOLITION DES NORMES
Jean-Luc Verna, est né en 1966 à Nice. Il est un dessinateur, sculpteur, photographe, performeur et musicien. Il vit et travaille à Paris maintenant.
Jean-Luc Verna est un artiste polymorphe, sa pratique incluant la photographie, la sculpture, ou encore la performance, et formant un ensemble cohérent « autour du corps, de son propre corps, piercé et maquillé. » Son travail mêle l'histoire de l'art à la musique rock et underground. Siouxsie Sioux, sa muse, a changé sa vie le jour où il la vit pour la première fois à la télévision dans l'émission Mégahertz d'Alain Maneval alors qu’il était adolescent. Depuis 1995 jusqu’a 2013, Il a organisé cinq expositions personnelles intitulées « Vous n’êtes pas un peu beaucoup maquillé » à la galerie "Air de Paris". Il a aussi participé à nombre d’expositions collectives avec d'autres artistes contemporains. Son corps est recouvert de tatouages, participant à son œuvre.
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| Jean-Luc Verna, Dans mes bras, co-production Maison Causse, 2012 |
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| Jean-Luc Verna,OK/OKAY, Swiss Institute and Grey Art Gallery, New York, 2005 |
A mon avis, Jean-Luc Verna est un artiste polymorphe, qui mêle photographie, musique, dessins, tatouage… Son art s'inscrit dans sa vie, dans sa peau. Ses tatouages sont sa caractéristique particulière. Il utilise l’art dans sa peau pour vivre son univers.
Xiaoyu TANG
La peau blessée
BLESSURES, CICATRICES, TRACES DU PASSÉ
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| Sophie Ristelhueber, Every One#14, 1994 |
Le travail de Sophie Ristelhueber intitulé Every One s’inscrit parfaitement dans cette thématique de l’art dans la peau. Cette plasticienne et photographe française s’intéresse (dans cette série de 14 clichés en noir et blanc) aux cicatrices.
Les patients d’un hôpital parisien sont ses modèles, mais ce ne sont pas les personnes qui l’intéressent, uniquement leur cicatrice. On ne reconnait en effet pas les patients photographiés puisque Sophie Ristelhueber a pris le parti d’un gros plan avec un cadrage précis de la zone cicatrisée. A travers cette approche, l’intérêt de l’artiste pour les cicatrices apporte une véritable valeur de mémoire des traumatismes, illustre cette trace « indélébile ».
Ses travaux antérieurs davantage axés sur le territoire, sont également orientés autour de la réparation, de la reconstruction. On pourrait donc assimiler ces dos et visages à des paysages ou architectures, ils sont comme une allégorie de la guerre, de ses blessures et de ses cicatrisations.
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| Sophie Ristelhueber, Every One#8, 1994 |
Élise BUNOUF
BLOOD SCRIPT, L'OEUVRE ENGAGÉE DE MARY COBLE
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| Mary Coble, Courtesy Conner Contemporary Art, 2008 |
Mary Coble est une artiste originaire des États-Unis et qui s'est installée en Suède. Cette artiste féministe produit des œuvres très engagées et les utilise pour dénoncer les injustices de notre société actuelle, principalement les discriminations envers les femmes et les homosexuels.
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| Mary Coble, Courtesy Conner Contemporary Art, 2008 |
Dans cette œuvre intitulée « Blood Script » (que l'on peut traduire par écriture sanglante), l'artiste s'est fait tatouer à l'aide d'une encre invisible 75 insultes sexistes ou homophobes sur la presque totalité de son corps. Après chacun de ces tatouages, elle a soigneusement recueilli l'empreinte de sang qui s'en échappait pour garder une trace de ces écritures. Cette œuvre provocatrice et pouvant choquer certaines personnes a une symbolique très forte. L'artiste étant elle-même homosexuelle, elle a subi de nombreuses fois ces insultes et les a vécus comme une blessure. Elle a donc symbolisé la violence de ces propos homophobes à l'aide de ces tatouages que l'on peut considérer comme des mutilations. Elle garde donc de cette œuvre des cicatrices quasiment invisibles et une série de feuilles marquées de son sang.
Pierre-Yves LASCOLS
PERFORMANCES EXTREME
Chris Burden incarne dans les années 70 la frange la plus extrême du body art, emblème d’une contre culture qui succède d'une décennie l’art minimal… Shoot , réalisé en 1971 dans la galerie d’art de Santa Ana en Californie, est l’une de ses plus étonnantes performances. Il demande à un complice situé à moins de deux mètres de lui tirer dessus au 22 long rifle pour érafler son bras, « Pendant un moment j’étais un sculpture » (ndlr Chris Burden).
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| Chris Burden, Shoot, 1971 |
Cette performance fait échos au combat du Vietnam. Il a voulu dépeindre la réalité de la douleur au monde, à une société devenue insensible à la violence montrer dans l’imagerie des médias.
Shoot est qualifiée de polémique, provocatrice, il s’agit d’une performance éclair qui crée une situation d’inconfort pour les spectateurs tiraillés entre l’injonction de prêter assistance à une personne en danger et l’interdiction de toucher des œuvres d’art.
L’idée du danger personnel en tant qu’expression artistique est centrale. En ce prêtant lui même au jeu, il explore la nature de la souffrance en endurant des situations extrêmes.
Chris Burden, Vidéo de la performance Shoot
Delphine MAZIOL
AU-DELÀ DE LA CHAIR
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| Gina Pane, Action Sentimentale, 1973 |
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| Gina Pane, Action Sentimentale, 1973 |
A la sortie de ses études aux Beaux-Arts de Paris, Gina Pane utilisait pour son art des matériaux traditionnels. Sa peinture et sa sculpture se rapprochaient assez du Suprématisme. C’est seulement quelques années plus tard que l’artiste se lança dans le body-art, les matériaux changèrent, pour devenir objets de blessure aussi bien agressifs qu’enfantins.Gina Pane joua sur ce contraste entre l’agressif et l’agréable, avec l’utilisation de fleurs par exemple (matériau naturel et bénin), comme dans sa performance Action Sentimentale de 1973, où elle mêlait aussi bien l’image douce de la rose à celle de ses épines pour se les planter dans le bras, elle dessinait alors une sorte de tige sur son bras et incisait la paume de sa main à l’aide d’une lame de rasoir afin d’évoquer les pétales.La blessure constitue une part fondamentale de ses actions. Exposer sa chair, son sang, sa matière organique écorchée, c’était exposer ses revendications, faire parler et faire vivre son art.Avec son corps, l’artiste utilise un moyen d’expression qui lui est propre, mais que tout spectateur comprend, sans besoin de connaissances particulières, car ce langage fait aussi appel à son propre corps.
Maxime ROUSSET
TRACÉ D’UN TRAIT LA RÉALITÉ
Santiago Sierra est un artiste espagnol, né à Madrid en 1966. Il vit au Mexique depuis 1998. Ce pays est la source de son inspiration. Il dénonce la mondialisation, les inégalités Nord/Sud dues au capitalisme corrompu et l’exploitation de l’homme par … l’homme.
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| Santiago Sierra, Ligne de 250 cm, 1999 |
Santiago Sierra a réalisé en 1999 une ligne de 250 cm tatouée sur le dos de six jeunes cubains de La Havane. Santiago a rémunéré ces jeunes hommes 30$ pour les "marquer". L'artiste souhaitait montrer que cette ligne pouvait être infinie. Ce tatouage aurait donc pu atteindre des milliers et des milliers de kilomètres car la société ne permet pas à ces habitants de vivre mais plutôt de survivre. Pour cela ils sont prêts à se mutiler le corps. Santiago montre ici que les jeunes cubains n’ont pas de limites pour gagner de l’argent. Il justifie sa démarche en disant « Le tatouage n’est pas le problème. Le problème est l’existence de conditions sociales qui me permettent de faire ce travail. » Un an plus tôt il avait réalisé un trait sur le dos d’une personne. Celle-ci n’avait pas de tatouage, n’en désirait pas mais elle le faisait par nécessité. L’artiste la rémunéra 50$. Santiago révèle une société prête à tout pour survivre jusqu’à la mutilation de son corps tout en pôsant des questionnements sur l'éthique de l'art et de l'artiste.
Pétronille MAICHE
La peau revendique, joue, provoque…
L’ART DANS LA PEAU
Marcel Duchamp, avant-gardiste de la performance ? |
| Marcel Duchamp, tonsure, 1919 |
C’est dans un acte non-prémédité que Marcel Duchamp ouvre la voie à ce qu’on appelle la performance.
C’est en 1919 qu’il se laisse photographier par Man Rayn après s’être tondu le crâne pour dessiner dans ses cheveux la forme d'une comète : hommage à la blessure d’Apollinaire ? Geste dada, incité par une infestation de poux ? Rapport à l’œuvre de «l’Enfant-phare » ? Clin d’oeil à l’anticléricalisme? Qui le sait vraiment ?Cette photographie permet de comprendre qu'il est un individu qui a décidé sans le savoir mais en le faisant, de faire de sa vie une œuvre, une performance avant que d'être un artiste au sens traditionnel du terme.
Marine CORRÉ
PEINTURLURAGE DU VISAGE - LARIONOV
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| Larionov, Le peinturlurage du visage, 1913 |
« Nous avons lié l'art à la vie. Après un long isolement, nous avons appelé la vie à voix haute et la vie a envahi l'art ; il est temps que l'art envahisse la vie. Le peinturlurage du visage voilà le commencement de cet envahissement... »
Larionov et Zdanévitch manifeste : Pourquoi nous nous peinturlurons. 1913
Mikhail Larionov (Tiraspol 1881-Fontenay-aux-Roses 1964) était un peintre et décorateur d'origine russe. Inventeur du Rayonnisme, avec son épouse Nathalie Gontcharova ils créent en 1912 un nouveau genre pictural, celui de l'illustration d'œuvres poétiques. Un travail où l'écriture et la peinture sont mis en relation tel une libération du mot et de la forme.
L'art populaire fortement présent en Russie à cette époque permet de comprendre cette volonté de faire fusionner l'art et la vie. Les avants-gardes dont Larionov est le précurseur revendiquent le droit d'inclure l'art dans la vie. C'est pour cela que Larionov accompagné de son ami David Bourliouk se sont promenés dans les rues de Moscou le visage barbouillé de peinture. La Peinture peut rendre ambiguë l'identification et les émotions d'une personne. C'est une nouvelle forme de langage.
Céline VÉPA
LE CORPS COMME MEDIA D’ABOLITION DES NORMES
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| Gunter Brus - Balade, A Vienne, juillet 1965 |
L’actionnisme Viennois est un courant artistique du XXème siècle, essentiellement orienté vers l’art de la performance. Dans les années 60-70, Otto Muehl (1925-2013), Hermann Nitsch (1938) et Günter Brus (1938), tous trois fondateurs de ce mouvement, sévissent dans l’Autriche bourgeoise et puritaine d’après-guerre, où plane un sentiment de culpabilité causé par la coopération du pays avec l’Allemagne Nazie en 38.
Ces trois artistes utilisaient particulièrement le corps, à la fois comme sujet peintre, ustensile de peinture et objet peint, comme dans l’œuvre de Günter Brus intitulée Promenade à Vienne.
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| Gunter Brus Balade, A Vienne, juillet 1965 |
Dans cette performance, l’artiste se peint intégralement en blanc et se dessine une trainée noire, du haut du visage au bas de la jambe droite, avant d’aller déambuler dans les rues de Vienne et de s’y faire verbaliser par le premier policier venu croiser son chemin. Cette œuvre choque particulièrement à une époque où les œuvres ne se trouvent que dans les musées que les activistes comparent à « des cimetières de l’art ». La démarche de Brus consiste à replacer l’art dans le réel, en proposant un médium de peinture inédit – le corps – et en s’exposant publiquement de manière provocatrice, allant ainsi à l’encontre des règles de bienséance conservatrices et étouffantes qui régissent le quotidien de la société Viennoise de l’époque.
Nicolas BLUTEAU
ANNETTE MESSAGER « TRUQUEUSE », OU LA MISE EN SCENE DU CORPS
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| Annette Messager, La femme est l’homme et La femme et le barbu d’Annette Messager, 1975 |
Annette Messager, une artiste française contemporaine. Ses œuvres suscitent un mélange d’attraction et répulsion, via des thèmes tels que l’enfance, la fragmentation, la femme dans la société…
Son parcours a la particularité de se décomposer en plusieurs cycles, où elle se présente comme "artiste", puis "collectionneuse", "femme pratique", "truqueuse", et enfin "colporteuse".
En 1975, elle fait éditer un recueil intitulé "La femme et… ", dans lequel on trouve une série de photographies retouchées ou maquillées, où l’artiste met en scène son corps. Elle y fait apparaître des personnages, des éléments internes (un fœtus, son système digestif…) ou externes à son corps (araignées, bijoux…) Elle joue de cette manière avec les stéréotypes associés à la femme et son rapport à l’homme.
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| Annette Messager, Trophées, 1986 |
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| Annette Messager, Trophées, 1986 |
Dans ces photographies retravaillées au fusain et à l’aquarelle, les dimensions, (entre 50 et 100 cm) participent à rendre ces détails anatomiques monumentaux, des fragments d’un tout qui, isolés, nous appellent à les célébrer. D’ailleurs, cette ornementation corporelle n’est pas sans rappeler les tatouages au henné (mehndi) pratiqués par des femmes de façon plus ou moins symbolique.
" Faire de l’art, c’est truquer le réel. "
Marie MOTTE
UNE OREILLE POUR ETRE ECOUTE EN PERMANENCE, STERLAC
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| Stelarc, Event For Rock Suspension, Tamura Gallery, Tokyo, 11 May 1980 |
Sterlac est un artiste australien. Il se fait connaître dans les années 70 avec ses performances, où il se suspendait au-dessus du sol à l'aide d'hameçons planté dans sa peau. Puis dans des performances mêlant expérimentations et technologies, portant réflexion sur la question de l’humanoïde, du post-humain, du corps robotiquement assisté. Pour cet artiste, les technologies ne sont pas au service de l'homme, mais c'est à l'homme de se fondre en elles. Le corps humain, qu'il considère obsolète, disparaîtra selon lui au profit d'un vaste réseau de neurones interconnectés.
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| Sterlac, Extra Ear, 2015 |
C'est en août dernier qu'il a présenté "Extra ear " un projet sur lequel il travaillait depuis près de 15 ans, à savoir l'implantation d'une troisième oreille dans son bras. Celle-ci a été developpé grâce à une structure en biopolymère implantée par chirurgie. L'idée étant de permettre aux internautes de pouvoir entendre ce que perçoit son oreille, via internet. Il devait pour cela y implanter un micro connecté par bluetooth. Mais malheureusment une infection sérieuse l'a obligé à enlever le micro.
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| Sterlac, Amplified Body, Laser Eyes & Third Hand, 1986 |
Jérôme BOISSIÈRE
LA CONSOMMATION DANS LA PEAU
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| Dietrich Wegner, Cumulous Brand, Sabine Sitting UpInkjet print, 2012 |
L'artiste australien, Dietrich Wegner, a réalisé en février 2012 une série de photos et de sculptures intitulée "cumulus brand". On y retrouve des bébés recouverts de faux tatouages de grandes marques. Il avait précédemment réalisé d'autres oeuvres autour de l'univers de l'enfant.
Dans cette nouvelle série, il met en avant la place de l'enfant dans la société de consommation et son devenir. Ces œuvres semblent choquantes donnant l'image de vrais tatouages sur des bébés. En effet, se faire tatouer est un acte fort, c'est une marque à vie. Ici, il porte un regard caustique et critique sur la publicité qui envahit notre espace intime dès le plus jeune âge. Il recouvre le corps nu des bébés de grandes marques, notamment pour enfants, telles que "Walt Disney","Lego" afin de montrer l'impact de la surabondance de publicités sur les enfants. Comme le tatouage, la pub nous marque.
En réalité, ce ne sont que des retouches photoshop ou des sculptures en silicone.
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| Dietrich Wegner, Cumulous Brand, Sabine Sitting UpInkjet print, 2012 |
En outre, il dénonce cet excès d'informations qui influe sur notre développement individuel et le fait évoluer contre notre gré. L'utilisation des enfants dans les publicités est aussi dénoncée, en les plongeant directement dans une société de consommation dont ils sont victimes. Ici, les enfants sont représentés comme des panneaux publicitaires. La photo ci-dessus montre l'influence qui touche directement les nouveaux-nés en représentant un bébé dans une position foetale.
Adélie PAYET
WIM DELVOYE, DE L 'ART ET DU COCHON
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| Wim Delvoye, série"Cochon tatoué", 2010 |
Faire de la peau une œuvre d'art, voilà l'un des objectifs de l'artiste belge Wim Delvoye. Plasticien provocateur, il va élever des cochons dans une ferme afin de les transformer en œuvre d'art. Dès leurs 35 kilogrammes, ces cochons vont passer une fois par semaine chez le tatoueur. Anesthésiés pour ne pas être traumatisés, ils vont vivre et devenir petit à petit une toile vivante jusqu'à l'anniversaire de leur 200kg où ils vont être saignés par un saigneur belge afin de récupérer leur "peau-œuvre-d'art". Cette œuvre peut être présentée comme un trophée de chasse, comme une toile, comme une peau dans un musée ethnographique ou un cabinet de curiosité. L'artiste aime détourner les "savoir faire" populaires (ici, le tatouage) pour leur faire intégrer le champ de l'art contemporain, par des biais souvent ironiques. Ainsi l'artiste réalise son souhait de créer une œuvre qui s'enracine dans la société, une œuvre d'art qui a été vivante. Il poussera son idée jusqu'à faire tatouer un homme vivant qui s'expose de temps en temps dans des galeries.
Gaëtan GUILLAUMIN
VERS UNE NOUVELLE PEAU
Entre 1991 et 1993, Orlan subit 9 opérations de chirurgie esthétique, mises en scène et retransmises en public. Ces transformations physiques – dont la pose d'implants protubérants sur les tempes — relèvent d'une décision artistique : Orlan souhaite « se faire une nouvelle image pour faire de nouvelles images, retirer le masque de l'inné et redéfinir le principe même de l'identité ». Elle considère ses transformations physiques comme un nouveau souffle et de nouvelles possibilités de création avec son image.
L’art lui colle à la peau.![]()
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| © Orlan |
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| © Orlan |
Vincent LAGADOU
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