News Letter: Andy Warhol

ANDY WARHOL

Si l’on vous dit Pop Art, cela vous fait penser à Andy Warhol, non ?
Et bien si vous aimez l'impertinence, la vie, les œuvres stylisées, aux couleurs flashy avec des répétitions de formes, ne manquez surtout pas le double hommage rendu en France au pape du pop Art.
D’une part, le Centre Pompidou Metz, avec « Warhol Underground », propose de découvrir l’influence de la scène musicale et de l’avant-garde chorégraphique new-yorkaises dans l’œuvre d’Andy Warhol. Cette exposition sera l’occasion de célébrer les cinquante ans de la rencontre de Warhol avec le groupe de rock new-yorkais The Velvet Underground, dont il devint le producteur.

Affiche du Centre Pompidou Metz - "Warhol Underground"

D’autre part, le musée d’Art moderne à Paris expose pour la première fois en Europe, sous le nom Warhol Unlimited, la célèbre œuvre baptisée Shadows, une succession imposante de 102 toiles qui déclinent autant de fois le même motif abstrait dans différentes couleurs. Il sera aussi question dans cette exposition de découvrir des œuvres de différentes périodes de la vie de l’artiste : on peut voir ses débuts avec les « Screen Tests », des portraits filmés de personnages immobiles tel Marcel Duchamp, Dali ou son égérie Edie Sedgwick.

Affiche du Musée d'Art Moderne de Paris - "Warhol Unlimited"

Mais avant de vous précipiter à la découverte de ces expos, replongeons nous dans l'histoire de sa vie, revisitons son œuvre dont certaines sont devenues cultes et qui, pour la plupart, questionnent les limites de l’art.

Baptiste RIOM, Autoportrait

Thomas RUDI, Autoportrait

Auto-portraits

Andrew Warhola, alias Andy Warhol, est un artiste peintre, producteur musical, auteur, et réalisateur de films avant-gardistes américain. Il est né en 1928 et mort en 1987. En 38 ans de carrière, ses œuvres créent de nombreuses controverses car elles font la critique de la société de consommation et posent des questions sur l'art, l'œuvre et l'artiste. C'est le propre du Pop Art dont Warhol est un des chefs de fil. Ce mouvement culturel qui prend son essor dans les années 60 se base sur l'utilisation et la détournement d'éléments visuels et d'objets de la culture populaire.

Après avoir décroché un Bachelor of Fine Arts à l'université de Pittsburg, Warhol part travailler à New York en tant que graphiste publicitaire. En 1960, dans l'idée de l'appropriation des objets du quotidien, il se met a peindre des soupes Campbell et des bouteilles Coca Cola en série. Il passe ensuite à la sérigraphie et réalise une série de portait de stars américaines : Marilyn Monroe, Elvis Presley, Marlon Brando. Il pratique aussi la photographie Polaroïd, notamment pour photographier ses amis-célébrités, ou lui-même. En 1963, il réalise quelques films comme Eat et Kiss. En 1968, Warhol est victime d'une tentative d'assassinat faite par une écrivaine féministe.

Self - Portrait 1966

Self - Portrait 1986

Self - Portrait Strangulation 1978

Self - Portrait with Platinum Pageboy Wig 1981

Philippine DE FONT-REAULX - Autoportrait

La Silver Factory

L’atelier d’Andy Warhol est devenu mythique par son histoire et par son utilisation. En effet c’est dans ce lieu que l’artiste a produit la plupart de ses œuvres comme les très célèbres sérigraphies. La Silver Factory que l'on peut traduire par “fabrique argentée”, doit son nom à l’esthétisme du premier lieu situé au cinquième étage du 231 East sur la 47e rue avec des pièces aux murs entièrement argentés. Warhol a ensuite changé d’endroit pour s’installer, en 1968, au sixième étage du 33 Union Square West. Cette “fabrique” regroupait des galeries d’exposition, studio de tournage, salle de projection, salle de concert, boîte de nuit, … ouverts à toutes les personnes en vue (ou non) de New-York à cette époque. Lors de ces évènements, les classes sociales étaient abolies, les plus riches côtoyaient les pauvres, les paumés et les toxicos. Pour Warhol, seules les superstars pouvaient entrer dans ces soirées et pour être une superstar il suffisait de le dire et d’être là. Cet atelier a nottamenet lancé la carrière de Gerard Malanga, un poète et photographe, Nico qui était chanteuse, Ultra-Violet une plasticienne … et bien sur cela a propulsé Andy Warhol au rang de superstar du pop-art.

Silver Factory

"The Couch" - Célèbre canapé de la Silver Factory

Tamara PRUD'HOM - Autoportrait

The Velvet Underground

« Je n’ai jamais voulu être peintre, j’ai toujours voulu être danseur de claquettes », déclarait Warhol. Il précise aussi que, pour lui, la peinture n’était qu’une passe de sa vie pour pouvoir ensuite se consacrer à ce qu’il aimait réellement : réaliser des films.

Suite à sa rencontre avec le groupe de musique new-yorkais The Velvet Underground, Wahrol décide donc de les aider à se produire sur scène. The Velvet Underground est devenu l’un des groupes les plus influents de l’histoire du rock des années 1970, principalement grâce à Wahrol qui a offert au groupe un studio et une scène : la Silver Factory, célèbre atelier dont Warhol avait recouvert les murs de peinture argentée, le transformant ainsi en un miroir géant. The Velvet Underground, mené par Lou Reed et John Cale, se voit adjoindre l'actrice et mannequin d'origine allemande : Nico. Leur premier album s’intitule The Velvet Underground & Nico et paraît en 1967. La Silver Factory est à la pointe de la technologie : dispositifs sonores, projecteur de diapositives, projecteurs de cinéma, éclairages et autres et permet ainsi de faire office de salle de cinéma ou de performance artistique, de boîte de nuit…

Pochette de l'album The Velvet Underground & Nico

The Velvet underground & Warhol

Agathe DESBRIERES, Autoportrait

Warhol et le cinéma

La plupart du temps détesté, le cinéma d’Andy Warhol choque les spectateurs et crée des réactions plutôt hostiles comme des insultes ou même des interdictions de projection par crainte de scandale. Ces réactions semblent cependant être recherchées par l’artiste qui disait vouloir « réaliser les plus mauvais films du monde », en effet, il choisit de filmer pendant des heures des sujets sans intérêt ou très sulfureux. Il filme ainsi des corps nus sans tabous en plein ébat ou bien un homme qui dort pendant 8 heures. Cependant, il disait aussi vouloir « aider le spectateur à mieux se connaitre, car quand il ne se passe rien sur l’écran, on a l’occasion de penser à des tas de choses », c’est pour cela qu’avant de choquer, il voulait peut être montrer la vérité. Il refusait les acteurs professionnel et ne dévoilait que des personnages tels qu’ils sont, dans leur époque…

Techniquement, Warhol se contente de filmer ce qui se passe sans intervenir pour rendre plus belles ou désirables certaines choses qui ne le sont pas. Il fait du cinéma un art conceptuel.

En 1966 il tourne son film le plus commercial avec Paul Morissey « Chelsea girls » qui recense tout le petit monde qui fréquente la Factory et vit dans les chambre de l’hôtel Chelsea. Même le visionnage de ce film est tout un art.

Les « films underground » d’Andy Warhol sont plus faits pour qu’on en parle que pour être regardés.

Affiche du Film Chelsea girls

Photo des membres de la factory

Warhol en tournage

Colombe GOURGEON, Autoportrait

SHOES, Warhol

Avant qu’il n’ait commencé à transformer des boîtes de soupe Campbell en icônes, Andy Warhol avait une attirance certaine pour les chaussures. A talons, plates, bottines ; peu importe. Et tout comme son obsession tardive pour Marilyn Monroe ou les boîtes Brillo, son intérêt pour les chaussures devint source de créativité.

Warhol s’est créé un nom en faisant des choses ordinaires des choses extraordinaires. Ses chaussures fantaisies, qu’elles soient bleues avec des boucles, roses avec des sangles dorées ou en fourrure violette, ont quelque chose de comique. Les mots gribouillés sous ses peintures les légendent de manière aussi originale que les dessins eux-mêmes.

« Il a fait des chaussures plus impressionnantes que possible et il leur a donné une personnalité » dit un jour Donna De Salvo, concervatrice en chef au Whitney Museum of American Art à New York. "Il en fait des portraits sans visages et les transforme en objets de désir. Il a compris comment les images dirigent le monde".

A la Recherche du Shoe Perdu

Diamond Dust Shoes (Random), 1980

Shoes

Céverine Girard, Autoportrait

Campbell's Soup Cans

« Un groupe de peintre est arrivé à la conclusion commune que les atours les plus communs et les plus vulgaires de la civilisation moderne peuvent devenir de l’Art, une fois transposés sur une toiles. »
Campbell's Soup Cans, est une œuvre d'art créée en 1962 par Andy Warhol et souvent dénommée 32 boîtes de soupe Campbell.
Dans cette œuvre, chaque toile est la représentation d’une boîte et d’une variété de soupe proposée par la célèbre marque. Cette œuvre reflète les thèmes du pop art et a permis de faire connaitre ce mouvement et de le rendre important aux Etats-Unis.
Le thème n’est guère difficile à comprendre. La vision de la culture ordinaire de Wharol est positive et il met en valeur la splendeur de la modernité. Par le biais de la série Campbell’s Soup Cans il peut donc exprimer ces vues positives. Il produit un travail qui se veut sans personnalité et expression personnelle mettant en premier plan l’aire moderne de la commercialisation et la beauté de « l’uniformité ». Il offensera les sensibilités du monde de l’art qui veulent partager les émotions intimes de l’expression artistique. Le Pop Art de Warhol peut être perçu comme un art minimal puisqu’il tente de faire le portrait d’objets avec simplicité. Dans un sens, la représentation est plus importante que ce qui est représenté.
Ces réalisations placent Warhol, non seulement comme l’artiste du Pop Art le plus renommé mais également comme l’artiste américain le plus coté de son vivant.

"Campbell's Soup Cans" - 1962 - MoMA

Elise Craipeau - Autoportrait

Boîte Brillo : La représentation du banal.
Sujets de prédilection pour Andy Warhol : les boîtes Brillo, qu’il reprend à partir d’images qu’il modifie très légèrement. Ce sont les couleurs, la flamboyance, la puissante de lavage et les couleurs de l’Amérique qui intéresse l’artiste. Ses boîtes de lessive représentent sans aucun doute les objets de consommation de masse. Son œuvre imite les produits ordinaires trouvés dans les supermarchés, se sont donc des objets du consommateur moderne qui achète ses produits de manière impersonnelle plutôt que chez un commerçant ou un épicier. A travers ses boîtes, Warhol symbolise “l’American Way of Life” et questionne avec une certaine ironie et quelques peu d’ambiguë, la société de consommation.
Warhol provoque déstabilise, déplace les repères artistiques en élevant un objet de consommation banal au rang d’icône. Il remet en question la notion d’œuvre d’art, d’originalité, de valeur, de marché. L’œuvre est-elle désormais consommable, éphémère et reproductible à l'infini ?
L’utilisation de la sérigraphie comme technique permet à l’artiste d’effacer toute trace personnelle. Par cette œuvre, Warhol critique-t-il la société de consommation, ou au contraire, exprime-t-il son admiration ? Que nous dit-il de l'art et du statut de l'artiste ?

Andy Warhol, Boîtes Brillo, 1964

Morgane AMORIN, Autoportrait

Dollar Sign, 1981

En 1981, avec sa série de peintures Dollar Sign, Andy Warhol s'attaque à un symbole fort de la société américaine : le Dollar. Il reproduit ce signe $ sur un format de presque 3m de haut. Ce signe est ensuite sérigraphié à l'acrylique, puis des retouches sont faites directement au pinceau. Les tons foncés et clairs sont associées, et un jeu est crée par les superpositions de couleurs, qui font apparaître plusieurs fois le symbole du dollars, en évitant de tomber dans l'effet d'aplat.

Andy Warhol s'approprie et détourne le dollar en le représentant plusieurs fois, avec un effet de pochoirs de différentes couleurs, parfois difficiles à différencier, lui donnant ainsi un tout autre sens.
En rendant le signe du dollar à la fois attirant par ses couleurs vives, et perturbant par sa forme, le peintre joue ou se joue de la fascination que l'argent peut exercer sur nous. Sa série Dollar Sign peut autant être considérée comme une apologie de la société de consommation, de la richesse financière qu'une mise en garde…

Andy Warhol – Dollar Sign, 1981

Margot Albert-Heuzley, Autoportrait

Coca-Cola

Dans une société de consommation en pleine évolution, les artistes s'en inspirent et la retranscrivent à leur manière. Dans l'Amérique des années 1960, Andy Warhol, prendra pour cible la bouteille de COCA COLA.

En 1962, Warhol peint Green Coca Cola Bottles : une peinture qui représente 112 bouteilles de coca (taille réelle), disposées sur 7 rangées, bien alignées les unes au dessus des autres. C'est disposé comme dans un supermarché. C'est calé dans la toile, répétitif, comme un motif…

Cette œuvre fait réfléchir le spectateur sur sa consommation et propulse un simple objet au rang de "symbole". Critique ou glorification ? Andy Warhol ne prend pas parti et laisse planer le doute.

« Green Coca Cola Bottles » 1962

Justine Cougnaud, Autoportrait

Marilyn

Parmi les œuvres emblématiques d'Andy Warhol, il y a Marylin. Cette œuvre est un format carré de 91,5 cm de côté ; il la crée en 1967, c'est-à-dire cinq ans après la mort de l'actrice américaine. A travers ses œuvres, Warhol dénonce l'image ainsi que son pouvoir au sein de la société de consommation et son lien avec la mort. Warhol décide de consacrer une des ses œuvres à Marylin puisque cette dernière était, dans les années 50, le fantasme des hommes et une actrice très célèbre.

Marylin, Andy Warhol, 1967

Cette toile se compose de neuf tableaux carrés. Chaque petits tableaux contient la même image : celle d'un des portraits de Marylin, réalisé par Gene Korman en 1953.

Portrait de Marylin, photographie de Gene Korman en 1953

Il décide d'utiliser la sérigraphie qui est une technique d'impression permettant de multiplier un même motif à l'identique sur un support. Ici ce procédé consiste à reporter mécaniquement le portrait de Marilyn sur la toile en le réduisant à ses traits essentiels. Par conséquent, les visages constituent un motif modulaire qui varie sans cesse avec l'utilisation des différentes couleurs. Notons que ces dernières sont plutôt vives, acides et proches de celles d'une bande dessinée. La douce blonde laisse donc place à un univers criard dont le style repose sur la simplification extrême de l'image et sa démultiplication.

Andy Warhol, dans son atelier, pratiquant la sérigraphie

Ce principe de sérigraphie est mécanique et Warhol fait le choix de garder les erreurs d'impression comme les décalages ou encore les manques d'encres.

Coline Royer, Autoportrait

Mao

C’est à partir d’un portrait officiel de Mao Zetong, fondateur et dirigeant de la République populaire de Chine, que l’artiste Andy Warhol va décliner plus de 1500 sérigraphies. Dans cette série réalisée en 1972 nommée Chairman Mao, il prend comme sujet ce grand et puissant dirigeant dans un contexte de guerre froide. Représenter Mao, dans les années 1970, c’est représenter l’ennemi mais dans une période où le président Nixon entreprend une visite officielle en Chine, Warhol y voit une opportunité pour lier l'iconographie de propagande chinoise à celle de la publicité capitaliste. Dans ses sérigraphies, Warhol joue avec le portrait officiel du père de la Révolution culturelle à partir d'une photographie sans expressivité, en le mêlant à un univers coloré et dynamique. Warhol élève donc ici un dirigeant au rang de célébrité médiatique, voire de star.

"Mao Tse Tung" - 1972

Paul HOUBRON - Autoportrait

Ten Lizes
Ten Lizes est une toile de 1963 qui présente 2 bandes horizontales de 5 portraits de l'actrice américaine Elizabeth Taylor, surnommée “Liz”. Ils sont presque identiques, en noir sur fond gris blanc métallisé.
La technique utilisée ici est la sérigraphie. Pour cela, Warhol a choisi de travailler sur une longue toile horizontale en coton et lin, qu’il a recouvert d’un pigment blanc argenté. Puis, il a posé 10 fois son cadre de sérigraphie en jouant avec les hasards de la technique (bavures, superpositions décalées, excès de peinture, transparences).
Peut-on dire que Liz Taylor est traitée comme un objet, de la même façon que les boites de soupe Campbell ou que les bouteilles de Coca Cola, des produits fabriqués en masse rendus artistiques ? A moins que ce ne soit le contraire ?
Quelle Lise nous montre Warhol : l'actrice de cinéma, l'icône américaine, la star incontournable, la femme fatale, ou le produit de consommation ?

Ten Lizes – Andy Warhol, 1963

Lise LESCOUBLET, Autoportrait

Eight Elvises, 1963

Warhol est l’auteur de plusieurs portraits grandeur nature d’Elvis Presley, le légendaire rockeur et sexe symbole le plus célèbre d'Amérique des années 1950.

Pour Eight Elvises produit en 1963, Warhol a créé un effet en superposition décalée et transparente d’images du chanteur produisant ainsi un effet d’illusion, de mouvement et de vibration. Cette réalisation lui aurait été inspirée par une publicité pour le film Western Flaming Star de 1960. Eight Elvises est une sérigraphie sur toile et se compose de huit images identiques d'Elvis Presley en tenue de cow-boy. Elvis de face nous regarde d’un œil noir et dégainant un pistolet de la main droite. Aucun décor, ni arrière-plan n’est ajouté. Les couleurs qui composent ce tableau sont uniquement le noir, le blanc et quelques nuances de gris. Warhol joue avec l'image d'Elwis, l'image du rock, l'image de la virilité, l'image du cinéma, l'image de l'Amérique, il en fait une icône contemporaine.
En 2008, le tableau a été vendu pour 100 millions $ à un collectionneur privé.

Eight Elvises, 1963, Andy Warhol

Meggie LEDAIN, Autoportrait

Big electric chair

Dans les années 1960, la société américaine est en plein débat : faut-il abolir la peine de mort ou non. Andy Warhol, à l’écoute de la société de son temps, porte le sujet à la réflexion grâce à la sérigraphie Big Electric Chair.

Avec son esprit Pop, Warhol aborde le thème de la consommation et de la société. En jouant avec des couleurs, l’effet de multiplication, le positif/négatif, et des effets picturaux en fond, l’artiste fait perdre la gravité du sens de la photo. Il en fait une image de consommation courante. La photographie d’un objet de mort sur commande devient une œuvre, belle à regarder, que des personnes pourraient acheter pour leur décoration d’intérieur.

Il dénonce les aberrations qui peuvent être provoquées par la consommation de masse. De même qu’il met face à la société une de ses contradiction : l’acceptation d’une image que l’on dénonce par horreur pour elle. La mort se banalise dans les médias américains.

D’une manière plus générale, Andy Warhol questionne le sens de l’image. Peut-on tout représenter sans gravité ? A choisir dans les dix clichés, y’en a t-il une plus agréable à regarder ? Quel est le role de la couleur ? Quel est l’impact de la superposition d’une même image ? La familiarité atténue-t elle le sens des photographies ? Sa représentation de la mort est-elle une provocation ? Ce qui est sur, c’est qu’elle est en rupture avec ses représentations traditionnelles. Contrairement aux piétas, massacres, danses macabres ou vanités, il n’y a pas de corps dans l’image de WARHOL. L’artiste suggère mais ne représente pas.

Fidèle à lui même, Andy Warhol joue avec l'image de la société américaine. Son approche paradoxale questionne d'avantage qu'elle ne donne de réponse. Cette démarche est intéressante car elle pousse la réflexion, elle condense les questionnements que tout artiste, spectateur, consommateur peut se poser.

Big electric chair, 1964

Little electric chair

Martin JULES, Autoportrait

Andy Warhol, Shadows (1978-79)

Constituée de 102 toiles sérigraphiées de 17 couleurs différentes, l’œuvre Shadows d’Andy Warhol est actuellement présentée au Musée d’Art moderne de Paris. Ces nombreuses toiles s’étendant sur plus de 130 mètres au total représentent parfaitement le travail ; une dimension sérielle questionnant l’art et ses principes, ainsi que l’espace d’exposition qui accueille les toiles. Pour la réalisation de cette série, Warhol s'est servi d'une photographie d'ombre présente dans son atelier qu'il a ensuite décliné en de nombreuse couleurs. Pour l'exposition Warhol Unlimited, ces toiles sont disposées tout autour d'une immense pièce circulaire, telle une arène de cirque, venant ainsi encercler le visiteur ; on peut alors y voir un rappel au questionnement de l'artiste autour de la consommation mais aussi à son obsession pour la mort.

Shadows confronte ainsi ingénieusement accumulation et formes simples, répétition et pièces uniques, tout en proposant une réflexion personnelle au spectateur.