La face cachée du monochrome

Monochrome : une seule couleur. De son étymologie grecque mono signifiant seul et chroma la couleur, le monochrome désigne une œuvre composée d’une unique couleur, nuance ou valeur. Son apparition dans les années 1910 remet en cause les manières traditionnelles d’envisager la création et renouvelle les pratiques artistiques. Autrefois qualifiant un camaïeu ou une grisaille dans l’histoire de l’art, il devient au 20e siècle, un substantif, puis un genre à part entière.

A travers les propos et les œuvres de certains artistes, nous allons découvrir pourquoi ils réduisent la peinture à une unique couleur, vide de représentation, pleine de sens, de vibration, de sensibilité, de poésie, de revendications, de…

Morgane AMORIN 

Lise LESCOUBLET 

Alphonse Allais : le précurseur moqueur

Combat de Nègres dans une Cave, Pendant la Nuit. Reproduction du tableau de Paul Bilhaud

Née en France en 1854 (le 20 octobre), le célèbre journaliste, écrivain et humoriste, Alphonse Allais nous transporte dans un univers fait d'humour absurde. Tout d'abord connu pour son écriture, grâce notamment à ses livres « A se tordre » (1891) ou « Vive la vie » (1892). Il séduit par sa poésie teintée d'un humour fin constitué souvent de vers homophones comme on peut le voir : « Alphonse Allais de l'âme erre et se f… à l'eau. Ah ! L'fond salé de la mer ! Hé ! Ce fou ! Hallo. ». 

Alphonse Allais, Première Communion de Jeunes Filles Chlorotiques par un Temps de Neige - 1882

Mais en 1882, l’écrivain se tourne vers une autre pratique que l’écriture, la peinture ! Son inspiration lui est venue de l’artiste Paul Bilhaud, alors qu’il découvrait son monochrome noir intitulé « Combat de nègres dans une cave pendant la nuit ». Ce gag l’a beaucoup amusé et il a ensuite décidé de s’inspirer de ce principe-là. Son premier monochrome sera blanc et s’intitulera « Première communion de jeunes filles chlorotiques par un temps de neige ». Au fil des années, il en peindra plusieurs de cette série (bleu, rouge, vert, gris et jaune) toujours accompagné d'une petite phrase humoristique. Grâce à l’écriture, Alphonse Allais, arrive à animer ses monochromes et donne une direction humoristique à notre imagination.

Justine COUGNAUD 

Kasimir Malevitch : le père du monochrome

Kasimir Malevitch, Carré blanc sur fond blanc 

Kasimir Malevitch, personnage emblématique de la peinture abstraite et créateur du « suprématisme », est un peintre, dessinateur, sculpteur et théoricien russe né à Kiev en 1878.
En 1918, Malevitch réalise « Carré blanc sur fond blanc », œuvre considéré comme la première œuvre monochrome de la peinture contemporaine et créant dans le même temps le « suprématisme ». Après la guerre et le changement de régime en Russie, les artistes russes révolutionnent l'histoire de l'art sur inventant de nouvelles bases en s’affranchissant de toutes contraintes. Mesurant 78,7 sur 78,7 cm, cette huile sur toile est aujourd’hui conservée au Musée d'Art moderne (MOMA) à New York. Composée comme son nom l'indique d’un carré blanc (pas tout à fait carrée) sur un fond blanc, cette peinture témoigne, comme pour le « Carré noir » (tableau faisant partie de la première série d’œuvres abstraites exposées par Malevitch), d’une grande sensibilité.

La trace de la main de l’artiste est visible dans la texture de la peinture et ses subtiles variations de blanc, légèrement bleuté pour la forme centrale, plus chaud et ocré sur la périphérie, crée une matière dense et complémentaire au point qu’on ne peut séparer la forme du fond. Malevitch a utilisé deux blancs d’origines différentes : une marque française pour le carré, et russe pour le fond, ce qui lui a permis d’obtenir ces « textures » différentes. La position décentrée du carré, pesant sur la droite, et le léger cerne noir autour, dynamisent l’ensemble, contribuant à la sensation d’espace.

Kasimir Malevitch, Carré noir

En parallèle, Malevitch développe les « architectones », modèles en trois dimensions qu’il réalise à partir du début des années 1920. Ces formes géométriques en trois dimensions sont des recherches théoriques dont le but est de faire évoluer le suprématisme de la peinture, jugée dépassée, à l’architecture. Les « architectones » sont destiné à cette époque à être utilisée comme des objets d’étude pour les jeunes générations d’architectes.

Kasimir Malevitch, Architectones

Malevitch est mort en 1935, mais il fallut attendre les années 1970 pour que son œuvre soit enfin reconnu.

Thomas RUDI

Rodtchenko: Rouge, Jaune, Bleu - l'essentiel de la peinture

Triptych- Pure Colors- Red, Yellow, Blue, 1921

Aleksandr Mikhaïlovitch Rodtchenko, dit Rodtchenko est un peintre, dessinateur, photographe russe. Il appartient au mouvement de l’avant garde russe. Malevitch pour décrire son travail parlera de constructivisme, ce qui donnera le nom au mouvement.Ici Rodtchenko ne géométrise pas sa toile, comme à son habitude, il la divise, la décompose pour donner trois surfaces planes et monochromes : Il déconstruit la peinture, la ramène à l'essentiel. Il ne fait figurer aucune iconographie identifiable et utilise la base de la création picturale, les trois couleurs primaires..Il faut comprendre son geste comme la libération de la peinture de toute finalité et contenu. Nous pourrions faire un parallèle actuel avec trois écrans rouge, vert et bleu.Sa motivation est de renouveler la peinture. En tuant l’art ancien, Rodtchenko vise l’idéologie capitaliste qui avait une emprise sur le marché de l’art et de la peinture de chevalet. L’artiste cherche une relation directe entre l'oeuvre et le spectateur. L’œuvre est matière surface et couleur.Mais les théoriciens de l’époque voient cet acte comme un suicide.Rodtchenko comprend la volonté de Malevitch sur la finalité d’une œuvre et l’amplifie. Avec sa proposition esthétique radicale, il tente de révéler, à travers la pureté de la couleur et de la simplicité des formes, l'essence même de la peinture. Cette oeuvre sera sa dernière peinture. Il se tournera ensuite vers le design, la photographie et le graphisme…

Martin JULES

Yves Klein : le bleu immense et profond

Yves Klein - Blue Monochrome

Yves Klein est un artiste plasticien français du XXème siècle. Yves Klein a aussi consacré une bonne partie de sa vie au judo et aux voyages. A partir de 1940, il commence à peindre des monochromes. Et c’est en 1956, qu’il crée l'International Klein Blue (IKB), le fameux "bleu Klein". Cette teinte est selon lui "la plus parfaite expression du bleu".
Dans ses œuvres monochromes, Klein cherche à éviter toute interprétation d’une forme ou autre chose. Il estime que la couleur, à la différence d’une ligne par exemple, est capable de créer une quatrième, voire une cinquième dimension. Les monochromes de Klein facilitent l'accès à une réalité où le spectateur peut s'établir dans un état permettant la méditation. Avant de se concentrer sur le bleu, Yves Klein a créé des monochromes en feuille d’or et de plusieurs autres couleurs. Puis il a choisi de s’intéresser plus particulièrement au bleu parce que, pour lui, c’est la plus abstraite des couleurs qui stimule la force de l’esprit et l’imagination. Il explique ainsi : « Le bleu n’a pas de dimension, il est hors dimension».

Agathe DESBRIERES

Ad Reinhardt : "Il n'y a rien à voir, que la peinture"

Ad Reinhardt - Ultimate Painting, 1960

Le peintre américain Adolph Reinhardt née en 1913 est reconnu comme le précurseur de l’art conceptuel et de l’art minimal. C’est après des études à l’université Columbia à New York qu'Ad Reinhardt va opter pour l’abstraction. 

Ad Reinhardt

Ce sera à partir de 1960 que l’artiste va produire en série des tableaux noirs, précisément identiques, de format carré de 5 pieds sur 5 avec de légères variantes de valeurs. ses Black Paintings sont divisées en neuf carrés et enduits de couleur noire dont seules varient les valeurs. Il justifie ses œuvres par « moins en art, ce n’est pas moins ». On distingue dans ces toiles une qualité subtile qui rend les noirs pas tout à fait noirs. Les couches de peintures sont innombrables. Reinhardt propose de franchir la frontière qui conduit du sensible au spirituel et au méditatif.
C’est cette nudité picturale assumée, cette rigueur, qui font de lui un artiste majeur du XXème siècle.

Paul HOUBRON

Barnett NEWMAN le monochrome et le sublime

Barnett Newman

Barnett Newman est un artiste américain, représentant important de l'Expressionnisme Abstrait et l'un des premiers peintres de la Colorfield Painting. Dans ses tableaux, dont certains sont des monochromes, on trouve une ligne, un espace vierge, vertical, une marque forte, un « zip », cette fente sensuelle qui vient perturber un aplat uni, qui vient déstructurer la composition si stable, qui amène une faille et focalise notre attention comme pour nous projeter à l'intérieur du tableau. Une relation intime s’établit alors, nous rentrons en contact avec l’œuvre présentée. Pour réaliser ce Zip, Newman place un scotch à peinture sur sa toile et le retire une fois la couleur appliquée. C'est comme une fermeture éclair qui ouvrirait le tableau, la couleur, l'espace…

Quentin FOURAGE

Mark Rothko - la couleur de l'émotion

Mark Rothko, sans titre 1970, acrylique sur toile

Mark Rotho, peintre américain né à Dvinsk (en Russie) le 25 septembre 1903. Classé parmi les représentants de l'Expressionnisme Abstrait américain de son époque, Il crée des peintures où la couleur prend une place primordiale. Proche du monochrome (même si la plupart d’entre ses toiles sont composées de deux couleurs), ses œuvres vibrent provoquant une émotion visuelle chez le spectateur. Il tente d’inventer une peinture qui se débarrasse de la tradition et de tout référent figuratif. La plupart de ses œuvres se résument à quelques rectangles évanescents placés les uns au-dessus des autres. Dans le but de ne pas toucher la perception, mais le jugement du spectateur, l’artiste réduit progressivement la vivacité des couleurs utilisées allant petit à petit vers le gris et le noir.
                                                                                                                                         Baptiste RIOM

Piero Manzoni, Achromes 1957-1963 : la matière blanche

C'est à partir de 1957, date de sa rencontre avec les œuvres d'Yves Klein à la Galerie Apollinaire de Milan que Manzoni se tourna à son tour vers le monochrome.

Piero Manzoni, Achromes 1957-1963

Toutes ses œuvres, intitulées Achromes, dont le sufix a- marque l'absence de couleur, n'ont pour lui rien de symbolique. ils ne les conçoit pas comme des peintures mais plutôt comme des actes de négation, dépouillés de toute interprétation et représentation.
Après avoir expérimenté de manière brève le monochrome sur des panneaux couvert de gesso ou de plâtre, il a développé une technique lors de laquelle il trempe ses toiles dans du kaolin (“argile réfractaire et friable, généralement de couleur blanche, utilisée en particulier dans la fabrication de la porcelaine”) ce qui lui permet de supprimer les coups de pinceau et ainsi son emprunte personnelle dans le processus de création.

Piero Manzoni, Achromes 1957-1963

Dans d'autres séries d'Achromes plus tardives, il décida d'adopter d'autres matériaux comme des carrés de tissus, du coton, des petits pains, du gravier, de la peau de lapin ou bien encore de la laine de verre.

Piero Manzoni, Achromes 1957-1963

C'est grâce et au travers de son journal et de ses travaux que Piero Manzoni a tenté de rejeter la subjectivité de l'artiste et de mettre l'accent sur le geste et l'attitude de l'artiste. On peut considérer qu'il a contribué au développement d'une nouvelle conception de l'art qui souligne la pureté et la simplicité des actes artistiques.
Céverine GIRARD

Piero Manzoni, Achromes 1957-1963

Jan Schoonhoven : vers un art objectif et neutre

Jan Schoonhoven

Jan Schoonhoven est un artiste néerlandais. Il a étudié à l'académie des Beaux-Arts de La Haye. Il a d'ailleurs fait parti du mouvement CoBrA pronant une peinture libre, spontanée, caractérisée par des violents coups de pinceaux ou encore des traînées de couleurs vives. Par la suite, il est influencé par le style de Paul Klee et d'autres artistes. 

Jan Schoonhoven «R 72–25», 1972 Wood, cardboard, paper, latex

En 1957, il fonde avec Armando Jan Henderikse et Henk Peeters le Groupe Informel néerlandais. Puis, en 1960, il fonde le Groupe Nul avec les mêmes artistes. Leur but est de tout reprendre à zéro, c'est à dire de rejeter les techniques de peinture et les matériaux traditionnels. Ils remplacent donc les toiles et peintures par des matériaux industriels.

Il réalise ses premiers reliefs sériels avec une trame régulière. Il utilise uniquement du carton et du papier peint en blanc. L'ordre, la géométrie et les répétitions sont au centre de son style. Il joue sur des reliefs en forme de tuiles plates soulevées. Par conséquent, selon l'emplacement de la lumière, les ombres dues au relief sont plus ou moins importantes.

Coline ROYER

Heinz Mack : faire vibrer la lumière

Heinz Mack, Lichtrotoren, Sonne des Meeres (Rotateur de lumière, soleil de la mer) 1967

Aliminium, 143 x 143 x 17 cm

Né en 1957, à Düsseldorf, à l'initiative de Heinz Mack, Günter Uecker et Otto Piene , le Groupe ZÉRO rassemble des artistes de différentes générations et origines. On y retrouve notamment les grands pionniers de l’avant-garde, ainsi que les artistes du monochrome, Lucio Fontana, Piero Manzoni, Yayoi Kasama, ou encore Yves Klein. « ZÉRO est silence. ZÉRO est commencement. ZÉRO est rond. ZÉRO tourne. ZÉRO est la lune. Le soleil est ZÉRO. ZÉRO est blanc. […] Dynamo dynamo dynamo », selon Otto Piene, dans Die Neue Idealismus, considéré comme le Manifeste ZÉRO, écrit en 1963. Le but de ces artistes étant de faire table rase afin de créer un nouveau langage plastique privilégiant le monochrome, l'installation et la performance.
C'est donc dans cet esprit de commencement et de dynamisme que Heinz Mack a réalisé Lichtrotoren, Sonne des Meeres (Rotateur de lumière, soleil de la mer), en 1967.

Margot ALBERT-HEUZEY

Enrico Castellani : bousculer la surface

Enrico Castellani, Aluminium Surface , 2006, Acrylic on canvas, 120 x 150 cm

Le peintre Enrico Castellani est né en 1930 en italie. Diplômé de l'école nationale des Beaux Arts, il s'interrresse par la suite aux peintures monochromes. Il produira sa première toile en 1959. Brise l'immobilité à travers

Sa technique de ces célèbres Achromes se base sur un monochrome qu'il "extra-fléchies" à l'aide de divers moyens. Il choisit notemant l'utilisation de clous, de cambrure et soulhouettes en bois ainsi que de métal positionnés derrière sa toile. Ses tableaux deviennent alors un véritable théâtre mêlé de lumière et ombres créant mouvement et gris épars. Il brise ainsi l'immobilité d'un simple toile monochrome préférant un tableau rythmé et changeant selon son inclinaison. Cette méthode sur  monochrome est développée à la suite d'une longue et rigoureuse étude, accompagné de Agostino Bonalumi, sur la possibilité de façonner avec ces" extra flechies".  Le jeu s'y s'opèrant trouble et amène à désorienter l'observateur, une expérience intéressante et curieuse qui nous nous amène à penser que le travail du monochrome ...c'est tout un art.

Meggie LE DAIN

Enrico Castellani , Red Surface , 2007, Acrylic on canvas, 100 x 100 cm

Lucio Fontana : lacérer la couleur

La rétrospective Lucio Fontana au Musée d'art moderne de la Ville de Paris, au premier plan "Concetto spaziale, Attese"

Lucio Fontana, connu pour ses toiles lacérées, est un sculpteur et peintre italien associé à l'art informel, créateur du mouvement Spatialiste.

Avant tout sculpteur, Lucio Fontana commence dans les années 50 la peinture. Il peint des surfaces monochromes et les « maltraite » en les fendant ; en réalisant des incisions, des trous. En cela, il a pour but de faire exister l’œuvre non seulement dans les yeux du spectateur mais aussi dans l'environnement qui l'entoure. C'est avec ce types d’œuvres que naît le « concept spatial » (qu'il déclinera et adaptera aussi à ses sculptures).

L'image qui lui est associée est celle de « quelqu'un qui a fait des fentes dans des toiles ». Or, lorsque Fontana réalise ses premières fentes, il a déjà une riche carrière d'artiste. En prenant en compte son âge proche des 60 ans, on peut avoir une toute autre image de son travail ciselé.
L'œuvre est sensuelle (indépendamment du fait qu'une toile monochrome entaillée évoque souvent quelque chose d'austère et d'abstrait) ; on peut même voir une connotation sexuelle en poussant l'analyse.
Il y a une richesse et une forme de cohérence autour de la lumière et de l'espace. La théorie « spatialiste » est construite alors sur une réflexion faite autour de l'art, du temps et de l'espace.
La peinture de Fontana dépasse la tradition, et dévoile l'idée, le mouvement, le geste. Elle est insaisissable, naviguant sans cesse entre abstraction et figuration… Jusqu'à la fin de sa vie, Fontana expérimente ses fentes sur différents matériaux (le cuivre, l'alu), différentes couleurs…

Elise CRAIPEAU

Lucio Fontana - 

Fabrice Hyber - Monochrome sensuel

Fabrice Hyber, 1M³ de beauté - 2012

1M² de rouge à lèvres fut une des toutes premières œuvres de l'artiste : il la réalisa en 1981 en utilisant pour seul et unique matériau du rouge à lèvres, créant ainsi un carré rouge d'1m², utilisant 20 tubes de maquillage. En réalisant ce monochrome il questionnait la relation entre les mondes de l'art, du monochrome, de l'esthétique, de la sexualité et de la science ; mêlant ainsi rationnel et irrationnel.

Pour son exposition au Palais de Tokyo en 2012, l'artiste a repris l'idée de sa première œuvre pour la faire évoluer en « 1M³ de beauté » ; un cube d'1m de côté entièrement constitué de rouge à lèvres. Pour cette réalisation, Fabrice Hyber a fait appel à Yves Saint Laurent beauté, qui lui a fourni la matière première de sa pièce.

1M³ de beauté n'est pas seulement une œuvre qui se regarde mais aussi une œuvre qui se vit. En effet le parfum du rouge à lèvres se diffuse dans la pièce, réveillant ainsi les sens du spectateur.

Au travers de ces œuvres, l'artiste a voulu montrer que le rouge à lèvres est quelque chose d'ancré en nous, un symbole fort nous ramenant tous à quelque chose qui nous est propre ;  que même démesuré et sorti de son contexte habituel, le rouge à lèvres, grâce à sa couleur, sa texture, mais aussi son parfum, garde une force visuelle, évocatrice, sensuelle, poétique.  

Chloé CASSABE

Roman Opalka, L'œuvre d'une Vie

Roman Opalka

Roman Opalka a consacré plus de 40 ans de sa vie à une même oeuvre, en effet a partir de de 1965 et jusqu'à la fin de sa vie il va s'intéresser au temps qui passe et qui laisse une trace.

Il va commencer une série de tableaux (tous de 196×135cm) en écrivant en blanc sur fond noir les nombres dans l’ordre croissant. Arrivé au nombre 1 000 000 en 1972, sa méthodologie évolue, il décide de rajouter à chaque nouveau tableau 1% de blanc dans la peinture noire qui compose le fond. Il veille cependant a choisir un blanc différent de celui qu’il utilise pour écrire ses nombres pour que les tableaux, devenus  blanc sur blanc en 2008, restent lisibles. Il complète également son oeuvre en participant a une réelle performance en continu : il s’enregistre en train de prononcer chaque nombre pendant qu’il les peints et se prend en photos à la fin de chaque séance de travail.

Durant ses expositions on peut donc l'écouter réciter ses nombres et observer une série de ses portraits qui témoigne de l'évolution du temps qui passe.

Son immense œuvre “le fini défini par le non fini” s’est achevée avec sa vie, le 6 août 2011 et comporte au total 236 toiles recouvertes de chiffres, Le dernier nombre qu'il a peint est : "5607249" 
Tamara PRUD'HOM

Roman Opalka - Le fini défini par le non fini

Allan McCollum Monochromes de masse

Allan MacCollum Over Ten Thousand Individual Works

Allan McCollum est un artiste contemporain américain qui porte sa réflexion sur les objets issue de la production de masse.
D’un point de vue visuel, ses œuvres ressemblent à celles du Pop Art à cause de son intérêt pour les produit de consommation populaire et au Minimalisme par la répétition et la production en série. Mais son travail est plus sûrement conceptuel et critique, évoquant le principe  «d’appropriation» dans un monde où l’on produit industriellement en série pour une masse d’individus.

Allan McCollum- Over Ten Thousand Individual Works

Sa série intitulée Over Ten thousand Individual Works et une des plus représentatives de son travail.

L’artiste a collecté des centaines de petits objets provenant de foyers, supermarchés… : des cuillères, tasses, boucle d’oreille, petits jouet, taille crayon, etc. Il en fabrique des moules avec lesquels il créé des répliques en plâtre. Puis en combinant les formes initiales,  il recrée des millier d'objets uniques. Les formes sont ensuite peintes puis regroupée par couleur, en collection de 10 000 objets, générant des ensembles monochromes d’objetsAllan McCollum questionne la notion de série et de rareté qui donne cette valeur à l’objet.

On peut aussi y voir une nouvelle approche de l’impression 3D et de la possibilité d’un passage de la production de masse à des produits individuels personnalisés.

Colombe COURGEON

Timothée Talard : quand le monochrome change de couleur

En 2014, la galerie Gourvennec Ogor invite Timothée Talard, jeune artiste plasticien a investir ses locaux. Pour sa deuxième exposition « Chance is a word void of sens, Nothing can exist without a cause », Talard nous propose un travail qui joue sur la perception, utilisant une peinture à la matérialité complexe.

Timothée Talard, « Chance is a word void of sens, Nothing can exist without a cause », 2014, Monochrome 

Son exposition se compose de 10 peintures de couleurs unies. Unies … Pas tant que ça. En fonction de la position et du déplacement du spectateur devant le tableau, l’œuvre change de couleur, passant ainsi du marron au vert, ou encore du violet au orange. 

La peinture qu'il utilise se compose de tous petits pigments à différentes facette. Une seconde couche de produit chimique est ajoutée, ce qui permet à tous les pigment-cristaux de se mettre dans le même sens.  Ainsi lorsque l’on se trouve sur la gauche de la toile, on voit toutes les faces marron des pigments, et en se déplaçant sur la droite on aperçoit toutes les facettes vertes.
Cette illusion d’optique implique le déplacement du spectateur, qui doit bouger pour voir l’œuvre évoluer.

Philippine DEFONT-REAULX