Anish KAPOOR

EDITO                                                       

"Dirty Corner"d'Anish Kapoor dans le parc du château de Versailles

"Dirty Corner"d'Anish Kapoor dans le parc du Château de Versailles après avoir été vandalisé

       Depuis le début d'été 2015, le château de Versailles accueille en son domaine, et pour la 8ème fois, un artiste contemporain important, proposant un regard nouveau sur son patrimoine historique, provoquant la curiosité des visiteurs en apportant une touche de modernité. Cette année, c'est Anish Kapoor qui investit le château de Versailles et ses jardins, présentant un ensemble important d'œuvres soulevant, pour certaines, de fortes critiques. C'est sa sculpture Dirty Corner également surnommée le Vagin de la Reine qui souleva la polémique. Vandalisée, malmenée, recouverte de slogans haineux et antisémites, elle démontre la difficulté pour certains groupes extrémistes à accepter l'art contemporain, la liberté d'expression, l'humour… 
Anish KAPOOR est un artiste britannique mondialement connu pour ses sculptures monumentales d'une grande technique. Pour cela, il fut de nombreuses fois récompensé. 
Véritable icône de l'art contemporain ? Artiste provocateur ? Qui est vraiment Kapoor ? Est-il si provocateur que cela ? Ne s'inscrit-il pas plutôt dans l'héritage de la sculpture classique ? Quel est son parcours ? Quelles sont ses œuvres emblématiques? 
- Meggie LE DAIN - Tamara PRUD'HOM

Biographie Anish Kapoor       

Anish Kapoor est un artiste contemporain d'origine indienne. Il a arrêté ses études de Génie Electrique pour rejoindre la Grande Bretagne et se consacrer à l'art, en 1973. Il étudie l'art et le design à Londres où il vit et travaille.

Kapoor a su faire reconnaître ses créations sur la scène internationale en mêlant à la fois la culture occidentale et ses origines orientales. Ses premières créations sont imprégnées de sa culture natale. Son travail l'a élevé jusqu'au rang de membre de la Royal Academy en 1999 et de Commandeur de l'ordre de l'Empire britannique en 2003.

Ses œuvres, qui lient la complexité de l’ingénierie avec la diversité des matériaux, ont pour particularité de toucher le spectateur aussi bien intellectuellement que physiquement. Kapoor nous fait prendre conscience de notre place dans l’espace. Grâce à des immenses surfaces de PVC qu’il étire ou dégonfle, grâce encore à des miroirs concaves ou convexes, ou bien des grandes quantités de cire rouge qu’il projette, ou moule, Anish Kapoor parvient à mêler l’architecture, l’art, la poésie et la spiritualité dans son œuvre non plus considérée comme une représentation mais une expérience à vivre.
- Paul HOUBRON -

Anish Kapoor

Anish KAPOOR à Versailles, 2015                    

Du 9 Juin au 1er Novembre 2015, Anish KAPOOR expose au Château de Versailles
Après Jeff Koons, Murakani, Lee Ufan, c'est au tour d'Anish Kapoor d'être invité dans les jardins du Château. Six œuvres au total : cinq dans les jardins et la dernière dans la salle du Jeu de Paume.
Cette exposition est le premier projet de l'artiste dans un lieu historique. C’est l’occasion pour le spectateur de se laisser porter vers une nouvelle lecture des œuvres qui entre en résonance avec l'esprit du lieu. Au delà de l’Histoire, l’esthétique courbe de Kapoor fait face à la rigidité des perspectives de Le Nôtre. Cette expérience, basée sur l’opposition, la surprise, est en adéquation avec le goût du jour et permet de retrouver l’émerveillement des visiteurs de l’époque face à la grandeur artistique du lieu. Bien que l'œuvre, surnommée Le Vagin de la Reine  (nom que l’artiste dément), ait été vandalisée, les installations de Kapoor respectent l'espace et l'esprit de Versailles, réactualisant cet intérêt pour l'art, la prouesse technique, l'émerveillement qui ont fait l'histoire du Château.
- Martin JULES -

Château de Versailles Spectacles, « Implantation des oeuvres », 2015

Anish Kapoor    C-Curve

Pigments purs

"1000 Names", Anish Kapoor, 1979-1985       

Dans une série se nommant 1000 Names, Anish KAPOOR produit de nombreuses œuvres, une déclinaison de forme dont les couleurs primaires sont aussi vives que franches. Ses œuvres, in situ, sont présentées par groupe. Des sculptures créées entre 1979 et 1985 sont des formes qui semblent émerger de la terre, agglomérats de poussières monochromes. Une atmosphère intrigante et énigmatique de cette géométrie perdue dans l'espace de pièces vides… Dans cette œuvre, on ne ressent pas la présence de l'homme comme étant le créateur. Ces formes précieuses semblent arrêter le temps, notre souffle se coupe pour ne pas bousculer l'équilibre si fragile de ses œuvres éphémères. Une structure de bois (contreplaqué, aggloméré), polystyrène expansé, isorel, est enduite puis recouverte de pigment monochrome qui crée une texture veloutée, un aspect doux et mate qui apporte une légèreté et une fragilité. Quelques résonances se font entre ses petits tas pouvant atteindre les 300cm de hauteur avec de magnifiques monticules d'épices orientales. Comme un hymne à la fête d'Holi, un majestueux retour aux racines primitives de pigments préhistoriques. 
- Quentin FOURAGE -

"1000 Names", Anish Kapoor, 1979-1985    

Pièces en cire

"Svayambh", Anish Kapoor
Une énorme masse rouge sanguinolente traverse les arcades du musée des beaux art de Nantes. Il s’agit d’une installation de l’artiste Anish Kapoor réalisée en 2007.

Svayambh signifie « auto-généré », « créé par sa propre énergie » en sanskrit. En effet l’œuvre n’est pas faite pour le lieu mais par le lieu, ce wagon de cire se taille et se forme en franchissant les arches trop étroites du patio, laissant des traces de cire sur les arêtes des piliers. On perçoit une dimension sensuelle dans la lenteur du mouvement de cette installation magistrale et monumentale.
- Colombe GOURGEON -

"Svayambh", Anish Kapoor

"Shooting into the corner", Anish Kapoor, Versailles, 2015      
C'est dans l'illustre salle du Jeu de Paume à Versaille que se trouve l'œuvre de Kapoor intitulée Shooting into the corner. C'est tout d'abord un bruit, une grosse détonnation. Puis c'est une matière rouge et gluante (mélange de cire et vaseline) qui se voit projetée par un canon à plus de 80 km/h sur un coin de mur, laissant des traces sanglantes sur le blanc immaculé des cimaises. Kapoor joue avec l'aléatoire : la cire peut s'écraser ou bon lui semble, l'artiste n'est même pas là pour la voir couler. L’œuvre est donc autonome et évolutive (chaque jour, une quinzaine de boules de cire est tirée et coule lentement jusqu’au sol).

- Philippine DE FONT­­-REAULX-

                       

Anish Kapoor, « Shooting into the Corner », 2015, France, Salle du Jeu de Paume, Château de Versailles

Miroirs

"Non-objet", Anish Kapoor           

Quelles soient rectangles, incurvées, bombées, torsadées, évasées, affinées, les Non-Object d'Anish Kapoor proposent un regard nouveau au spectateur sur lui-même, ainsi que sur les espaces dans lesquels les créations sont installées. L'environnement et le spectateur influent sur la perception même du « Non-Object ». Selon les caractéristiques du lieu où l’œuvre est installée, son aspect varie grâce à l'effet déformant du miroir. Grâce à la particularité réfléchissante de l'acier inoxydable fortement poli, l'espace et le Non-Object se mêlent et se transforment en fonction du déplacement du spectateur. C'est notamment le cas du Non-Object Spire réalisé en 2007.
-  Margot ALBERT--HEUZEY -

Non-Object (Spire) 2007,  Anish Kapoor, Stainless Steel, 302.2×300×300cm, Kensington Gardens 2010

Kapoor - Royal Parks Serpentine Gallery 2010–2011, Turning the World Upside Down, Kensington Gardens, 28th September–13th March

Une des plus uniques et intéressantes sculptures…         

The Cloud Gate est l’œuvre qui est associée véritablement à Kapoor. Elle permet directement d’identifier l’artiste et a été réalisée dans les années 2002-2004 et installée en 2004. Située dans le Millénium Park de Chicago, cette sculpture urbaine spectaculaire d’environ 10 mètres de large et de 20 mètres sur 13 mètres d’envergure, pèse environ 100 tonnes. Elle est l’une des œuvres les plus imposantes de l’artiste. Elle est aussi le reflet de l’usage novateur des matériaux, et notamment ici du miroir. Cent soixante huit plaques d’acier ont été nécessaires à sa réalisation et sont articulées et polies afin de donner l’aspect lisse qu’on connait à la sculpture. Sa forme aux lignes sinueuses et abstraites a souvent été comparée à un haricot géant inspirée d’une goutte de mercure liquide, mais révèle cependant la maîtrise du travail de la forme qu’entreprend l’artiste.

The Bean est entreposé aux yeux de tous et capte l’attention. On peut tourner autour, passer dessous… Sa position nous permet d’inter-réagir avec elle. Cette sculpture qui se livre à un jeu d’échelles et de dimensions, reflète et déforme notre vision de la ville. C’est un kaléidoscope fascinant qui peut également déformer notre propre vision, nous, passants, si nous nous situons dans la petite chambre appelée « Omphalo » (placée en dessous de l’arche, au centre de l’œuvre) où le phénomène de réflexion complète les simple reflets. S’installe alors un véritable dialogue entre le spectateur, l’œuvre mais aussi la ville. Le passant bouge pour avoir la vue qui lui convient et l’œuvre donne une autre dimension à l’image et à l’espace.

Comme pour d’autres réalisations de l’artiste, le fil conducteur est « Immatérialité et Spiritualité ». L’artiste tend à montrer le contraste ici entre vide et solide, la réalité et le reflet, le ciel et la terre, l’ici et l’au-delà…

Le travail artistique d’Anish Kapoor se rapproche de l’architecture. Il crée non seulement des sculptures mais la scuplture amène la vie et le spectacle et joue avec l'espace. L’œuvre est aujourd’hui un monument incontournable de la ville où les touristes comme les photographes se pressent.

Du fait que quatre-vingt pourcent de la surface reflètent le ciel, Anish Kapoor décide de nommer sa création « Cloud Gate ».

- Elise CRAIPEAU -

Cloud Gate - Anish Kapoor - vue de profil - auteur inconnu

The omphalos beneath - Anish Kapoor - concours photo - auteur inconnu

" Sky mirror red ", Kensington Gardens, 2010          
Une sculpture aux allures de lune rouge, c’est ce que propose Anish Kapoor avec Sky Mirror Red. Ce miroir concave en acier aux dimensions imposantes (140 X 140 X 22 cm), semble flotter sur le lac du jardin Kensington à Londres, que Kapoor définit comme  « … le meilleur endroit dans Londres pour une œuvre d’art … ». Pour une première exposition en plein air, le grand jeu a été sorti.  La sculpture reflète le ciel grâce à sa légère inclinaison, tel un « soleil rouge sang ». Quand à son ombre, allongée sur le lac, elle est perçue comme une « lune argentée ».  Cette œuvre publique surprend les passants mais aussi les cygnes qui peuvent s’admirer tout en circulant sur le lac.  L’extravagance de l’artiste est encore une fois au rendez vous et comme il le dit avec cette phrase « L’art pour les cygnes, l’art pour les chiens … L’art pour tous ! ». 
- Justine COUGNAUD -

source: https://iacobbogdan.wordpress.com/tag/anish-kapoor/

Présence/absence

"When I am pregnant (1992)" , Kapoor, 198 x 152 x 15 cm      
C'est en 1992 que Anish Kapoor réalise son œuvre When I am pregnant.

Celle-ci reflète le long et complexe travail de l'artiste. Évoquant la maternité de manière formelle et sans ambiguïté, When I am Pregnant est une excroissance arrondie et harmonieuse du mur d’exposition. La sculpture, qui est constituée d'une forme et de son négatif réalisés à l'aide de fibre de verre, de plâtre et de peinture, fait corps avec le mur et trouble le spectateur. Kapoor utilise l'espace comme partie intégrante, greffant son œuvre sur les murs eux-mêmes. Il joue des oppositions : plein/vide, lumière/ombre. La sculpture ne peut se révéler que lorsqu'elle est vue de profil. Il semblerait qu’une force pousse derrière le mur et que cette poussée soit, en fait, l’image de l’énergie qui anime la matière et une métaphore du vivant.
- Agathe DESBRIERES -

"When I am pregnant (1992)" , Kapoor, 198 x 152 x 15 cm   

"Wounds and Absent object ", Anish Kapoor, 1998     

 Située au Millénium Park de Chicago depuis 2004, The Cloud Gate, sculpture urbaine spectaculaire, est l’une des œuvres les plus imposantes de l’artiste. Elle reflète l’usage novateur des matériaux, notamment ici du miroir. Sa forme aux lignes sinueuses et abstraites comparée à un haricot géant révèle la maîtrise du travail de la forme. 

   The Bean est installé aux yeux de tous et capte l’attention. On tourne autour, passe dedans… Sa place publique permet l’interaction. Le jeu d’échelles-dimensions trouble notre perception visuelle. Kaléidoscope fascinant qui déforme l’image de la ville mais aussi de notre corps si nous sommes dans l’Omphalo, où le phénomène de réflexion complète les simple reflets. S’installe alors un véritable dialogue entre le spectateur, l’œuvre et  la ville. Le passant bouge, l’œuvre donne une autre dimension à l’image et à l’espace.

L’artiste montre le contraste entre vide/solide, réalité/reflet, ciel/terre, ici/au-delà. 

Le rendu mêle architecture et spectacle ; la sculpture amène la vie, la mise en scène.
L’œuvre est aujourd’hui un monument incontournable de la ville où les touristes comme les photographes s’y pressent.

- Lise LESCOUBLET -

Peinture tiré de la série Wounds and Absent object, 1998, Anish Kapoor

Lien vidéo: http://anishkapoor.com/602/Wounds-and-Absent-Objects.html

Forme pavillon

"Marsyas", Anish Kapoor         

« Marsyas » est une sculpture, faite par Kapoor, exposée dans le Turbine Hall à Londres en 2002. Celle-ci est remarquable par ses importantes dimensions puisqu'il nous est impossible de la contempler en un seul regard.

Elle est structurée par deux anneaux en acier posés verticalement au sol et qui s'opposent dans l'espace. Une toile en PVC rouge de 4000 m² les relie. Un troisième anneau de 6 tonnes, présent au centre de cette structure, est suspendu par la toile rouge et se positionne horizontalement au dessus de la passerelle. Quand on passe en dessous, on a l'impression d'être aspiré par Marsyas. Un doux chuchotement, correspondant à l'air passant dans l’œuvre, souffle mystérieusement…

Le titre de cette sculpture vient du mythe de Marsyas. Ce dernier a voulu vaincre le dieu Apollon lors d'un concours de musique. Suite à sa défaite, Apollon l'a écorché.

Cette structure pourrait représenter une artère du corps de Marsyas (cela justifierait sa forme et sa couleur).
- Coline ROYER -

« Marsyas », Anish Kapoor - 2002

« Marsyas », Anish Kapoor - 2002

"Disemberment", Anish Kapoor, 2009         

Disemberment, Site 1 est le nom donné à la gigantesque œuvre réalisée par l’artiste Anish Kappor à Kaipara Bay, en 2009. Commandée par un collectionneur d’art et mécène privé, cette œuvre est la première sculpture monumentale permanente de l’artiste réalisée à ciel ouvert. L’artiste a ainsi conçu une œuvre qui se révèle être l’une des plus grosses constructions en membrane composite tendue parmi les plus audacieuses du monde.
Longue de 85m et haute de 25m, l’espace n’a plus de limites. Disemberment : Site 1 (également connue sous le nom de The sculpture Farm) est le fruit d’un réel défi que l’artiste se lance, face à son habitude de réaliser des œuvres en intérieur. La membrane de l’œuvre est tendue entre deux énormes ellipses rouges en acier, mesurant 8X25m chacune et pesant pas moins de 43 tonnes, alors que le textile tendu ne pèse que 7,2 tonnes. De plus, l’installation d’une œuvre de cette envergure en plein air nécessitait certaines conditions pour lui permettre de résister aux intempéries naturelles. Elle est, en effet, conçue pour résister aux vents violents qui viennent de la mer, aux UV particulièrement agressifs à cette latitude, et possède une performante résistance à la rupture et à la déchirure. Cette stabilité exceptionnelle malgré sa dimension est assurée par la qualité du textile, élaboré par le département R & D de Serge Ferrari selon la technologie brevetée Précontraint®.
Cette forme assez inhabituelle invite le spectateur à réfléchir. En effet, nous nous demandons le message que veux transmettre l’artiste à travers son œuvre.
L’artiste explique : « C’est la couleur de l’intérieur de notre corps. D’une certaine façon, c’est un rouge interne qui s’extériorise », L’œuvre peut symboliser la chair ou la peau écorchée, un os démembré comme une offrande pour nourrir / rajeunir le sol. De l’intérieur, l’œuvre devient un lieu intime secret : comme un utérus qui émergerait du sol, offrant une vue sur notre terre, symbolisant une renaissance.
- Baptiste RIOM -

Tourbillons
 Ascension, Anish Kapoor, Basilique San Giorgio Maggiore, 2011     
Cette œuvre, créée à l'occasion de la biennale de Venise de 2011, était exposée à la croisée du transept et de la nefs de la basilique. On pouvait y voir s'élever dans les airs une longue colonne de fumée blanchâtre, tel un fin tourbillon, laissant presque croire à une manifestation surnaturelle. Celle-ci était créée grâce à une gigantesque hotte et quatre puissants ventilateurs guidant la fumée s'échappant d'un socle circulaire. Kapoor a peut-être voulu évoquer l'ascension du Christ mais aussi l'idée de Moïse suivant la colonne de fumée dans le désert. 
- Chloé CASSABE -

"Acsension", Anish Kapoor

"Descension", Anish Kapoor, Jardin du Château de Versailles, 2015  
Ce simple bassin, où l’eau semble aspirée par un mystérieux siphon aux grondements sourds et infernaux, invite le spectateur à plonger au cœur de ce tourbillon. L’eau noire parsemée d’écume dégage une atmosphère menaçante qui saisit et hypnotise le spectateur. On peut y voir un œil noir menaçant symbolisant le chaos. Par son œuvre, Kapoor cherche à bouleverser les points de vue et crée ainsi une opposition entre l’obscurité d’un monde souterrain généré par le tourbillon et la luminosité des miroirs d’eau et des parterres du jardin. 
- Morgane AMORIN -  

Descension-2014-Anish Kapoor à Versailles

Ventres de géants

" Leviathan ", Anish Kapoor,Grand Palais, Paris, 2011      

C'est en mai 2011, lors de la 4e édition de Monumenta, une exposition d'art contemporain ayant lieu chaque année dans la nef du Grand Palais de Paris, qu'Anish Kapoor crée son Léviathan.

" Leviathan ", Anish Kapoor,Grand Palais, Paris, 2011  

Cette œuvre gigantesque s'impose par ses 35 mètres de haut, avec sa peau de PVC pourpre. On se promène sous ses arches, on la frôle, on la touche quand dans un mouvement contraire on ne peut s'empêcher de s'en éloigner pour tenter d'avoir un vue d'ensemble. Lorsque vient le moment de s'engouffrer au sein de cette créature, le changement d'atmosphère est palpable et il faut un certain temps pour que la vue s'adapte à la pénombre rouge de cet antre. Une tiédeur y règne, dégagée par la présence des spectateurs. Après les premiers instants, le regard se porte sur les trois cavités circulaires. Impénétrables, elles laissent deviner des espaces énigmatiques desquels on peut apercevoir par transparence la structure de la nef.

" Leviathan ", Anish Kapoor,Grand Palais, Paris, 2011  

Cette œuvre, réalisée avec des technologies des plus avancées, parle visuellement mais a surtout pour  intention de mener le visiteur dans un voyage sensoriel, une expérience poétique. C'était un challenge technique, questionnant ce que nous savons de l'art, de notre corps, et ne nos origines.

- Céverine GIRARD -

"Ark Nova", Anish Kapoor, 2011     
Ark Nova est une salle de concert nomade réalisé par l'architecte Arata Isozaki et le plasticien Anish Kapoor afin que celle-ci puisse accueillir des représentations musicales dans les zones sinistrées du Japon. En effet, deux ans après le séisme du 11 mars 2011, le soutien apporté à ces zones touchées a fortement diminué. Le festival de Lucerne a donc décidé d'organiser, en collaboration avec une entreprise de concert japonaise, des événements dans ces zones afin d’apporter de l’espoir via la musique.
Les murs de cette infrastructure sont faits d'une membrane de plastique de 36 mètres sur 30 et s’élèvent jusqu'à 18 mètres de haut. Après deux heures où l’on souffle de l’air dans la structure, celle-ci prend sa forme et est prête à accueillir entre 500 et 700 personnes. La salle est équipée d’un système acoustique et d’une scène construite en partie avec du bois récupéré sur place. La membrane à l’avantage d’avoir un bon rendu acoustique car elle ne produit pas de pollution sonore dû aux vibrations. Cette « bulle » de couleur rouge sombre et aux formes arrondies a un aspect organique et n'est sans rappeler une autre œuvre qu’Anish Kapoor avait réalisée pour « Monumenta », en 2011 à Paris.
- Thomas RUDI -

"Ark Nova", Anish Kapoor, 2011 ( Vue extérieure )

"Ark Nova", Anish Kapoor, 2011 ( Vue intérieure )

   

Céramiques

À l’occasion du WorkShop animé par la céramiste Hélène Morbu, nous avons réalisé par groupe un service de table en terre.

Il existe plusieurs manières de travailler la céramique. La méthode que nous avons utilisée est celle des plaques de terre que nous étalons entre deux baguettes de bois à l’aide d’un rouleau et que nous enroulons ensuite autour des contreformes afin de leur donner la forme souhaitée.

Nous vous proposons de découvrir d’autres techniques grâce à plusieurs artistes aux univers différents ayant utilisé la céramique dans leurs réalisations.

[Elise Huneau et Perrine Bader]

HISTORIQUES : Quelques artistes du XXème siècle qui expérimentent la céramique

Paul Gauguin

Le Primitivisme dans le travail de Gauguin s’explique par la quête d’un retour aux origines, à une vie plus proche de la nature. Nous comprenons avec cette œuvre que son travail de sculpture et de céramique est au cœur de sa démarche primitiviste. Il semblerait que Paul Gauguin lors de son enfance passée au Perou, ait été en contact de poteries péruviennes ; nous pourrions donc penser que, pour lui, pratiquer la poterie est un double retour aux origines, à la fois celle de l’enfance mais aussi aux origines de la vie en quelque sorte.

[Justine Suteau]

Pot en forme de tête, céramique, 1889

Kasimir Malevitch

En 1917, Malevitch se voit confier des responsabilités artistiques et pédagogiques dans la Russie révolutionnaire. Il va alors imposer, contre l'expressionnisme rêveur de Marc Chagall, une approche artistique plus radicale, plus abstraite.

Il crée alors des formes architecturales, qu’il appelle architectones (qui sont à la fois des sculptures et des projets d'habitation), des objets courants, industriels, au design très soigné. Ce genre d'ouverture de l'art vers la vie, l'architecture, l'objet était à l'époque très rare et laissé plutôt à l’artisanat.

Le service à thé de Malevich se compose d'une théière et de deux (demies) tasses. La combinaison du tridimensionnel et des formes plates, rondes et rectangulaires offrent un effet étonnant à ces objets.

Les reproductions de ce service sont très connues des collectionneurs et amateurs de théières dans le monde entier.

[Arthur Godet]

Malevitch - Service à thé.

Théière.

Pablo Picasso

Pablo Picasso était un célèbre artiste espagnol reconnu pour ses peintures. Il exprimait également son art dans de nombreuses disciplines artistiques comme la sculpture, la gravure, la lithographie, la linogravure, la céramique et la poterie. Il est l'un des artistes les plus influents du 20ème siècle. Il est le co-fondateur du mouvement cubiste, il participa à l’invention de la sculpture construite et de l'art de l'assemblage. À l'été 1946, Picasso assista à une exposition de poterie par les potiers Madoura Georges et Suzanne Ramie qui l'accueillirent dans leur atelier et lui donnèrent accès à tout ce dont il avait besoin pour explorer et exprimer sa créativité avec de la céramique, en échange de la production et la vente de ses œuvres. Picasso a créé des céramiques originales dans une multitude de formes, couleurs et tailles avec une gamme large de sujets et motifs. Ses pièces variaient de l'assiette, aux pichets, à des plaques et des vases. Les décorations incluaient des portraits, la tauromachie, la nature et des paysages. Picasso voulait que ses pièces soient à la fois accessibles et abordables. Il a créé des œuvres éditées à plus de 500 exemplaires, disponibles à l'achat directement à partir de l'atelier. Il a continué à créer des pièces d'argile jusqu'aux dernières années de sa vie car c'était pour lui une pause relaxante comparativement au dur travail de la peinture.

[Íris Björk Björnsdóttir]

Fish, argile rouge en terre cuite avec engobe, 1952.

Quatre profils enlacés, plaque de céramique partiellement vitrée, 1949. 

Lucio Fontana

Peintre et sculpteur italien d’origine argentine, Lucio Fontana fonde le mouvement spatialiste. Il met en avant l’espace en explorant sa relation avec la matière. Au cours de sa carrière, l’artiste navigue constamment entre abstraction et figuration.

Fontana, réalise de nombreuses œuvres inspirées de l’iconographie traditionnelle (couleurs et sujet) comme Figure féminine avec fleurs. Le grand vase Battaglia évoque des poteries de l’antiquité. On y voit des personnages lors d’un combat, armés de leurs lances. L’artiste est surtout connu pour ses Concetto Spaziale, grosses boules de terre cuite percées de trous, fentes et cratères. Semblable à des planètes, Concetto Spaziale Natura a une connotation sexuelle évidente, « Natura » au pluriel désignant le sexe féminin en argot italien.

[Neha Hassanbay]

Figure féminine avec fleurs, 1948.

Battaglia, 1949.

Concetto Spaziale Sferico, 1957.

Concetto Spaziale Natura, 1959-60.

Céramistes actuels : les tendances EXPRESSIONISTES

Sana Musasama

Sana Musasama est une artiste céramiste américaine née à New-York en 1957. Son travail reflète son intérêt et sa sensibilité à la condition humaine et aux actes de barbaries, physiques ou moraux qui sont encore acceptés dans certaines coutumes communautaires, tels que l’excision ou le bandage des pieds. Son art chargé de symbolique, telles des poupées vaudous, est marqué par ses origines africaines mais aussi par ses voyages et ses rencontres.

« Il découle de mes voyages mondiaux, des foyers et des cœurs des gens que j'ai rencontrés; ces pièces représentent leurs voix silencieuses, qui restent inconnues et sans nom. » 

C’est ainsi que Sana Musasama peut se voir comme une artiste mais également comme une activiste sociale. Porte-parole, témoin des sans voix, protestant contre ces mutilations, ces sévices et ces oppressions. Les pièces de Sana Musasama posent des questions. Comment pouvons-nous éradiquer des coutumes vieilles de 6000 ans ? À quelles répercussions ces femmes doivent-elles faire face ? L’artiste crée également des dialogues, des liens, entre les différents continents et les citoyens, ou encore entre les individus et l’impérialisme culturel.

[Jocelin Verga]

Cut, Unspeakable Series.

Apple Tree Series.

Elmar Trenkwalder
Elmar Trenkwalder, né en 1959, est un artiste autrichien, dessinateur, peintre et sculpteur,particulièrement connu pour ses œuvres en céramique. Il est fasciné est par les cultures et traditions de différentes époques, empruntant dans ses sculptures différents styles : gothique, antique ou baroque. Très souvent, il ajoute à ses sculptures des formes végétales suggestives. Ces œuvres, souvent de grandes tailles, paraissent ambiguës puisque nous ne savons pas s’il s’agit de monuments, de personnages ou bien simplement de sculptures informelles. En effet, l’artiste réussit à nous faire basculer entre l’hallucination et la réalité.

[Charlotte de Rafélis de Broves]

WVZ 150, céramique émaillée, 2OOO.

WVZ 183, céramique émaillée, 2006.

Michel Gouéry 

Cet artiste a nourri son œuvre de cinéma, de bande dessinée, de science fiction, de Dada et de Surréalisme. Il crée des ensembles de sculptures en céramique où l'on trouve des créatures plus ou moins humanoïdes avec des disproportions souvent curieuses, des guirlandes murales en relief où humain et végétal s’entremêlent. 

Certaines pièces font penser à des anémones de mer, des coraux ou des crustacés. L'artiste a longtemps collectionné les fossiles. Ailleurs, ce sont des totems qui sont à mi-chemin entre le bâton druidique et la crosse papale. Des visages émergent parfois de la matière comme prisonniers d'elle et tentant de s'extirper de cette geôle étouffante.

La céramique qu'il utilise est lisse ou granuleuse, parfois mat ou avec des effets moirés et confirme toute la virtuosité de l'artiste.

L'artiste justifie son choix de quitter la peinture pour la sculpture en déclarant : "Les peintures étaient de plus en plus longues à faire et lorsque j’ai commencé la sculpture, je suis redevenu comme un enfant en train de travailler sa pâte à modeler sur la table".

[Clémence du Cleuziou]

Sans titre.

Sans titre.

Sans titre.

Johan Creten 

Cet artiste d’origine belge est un grand voyageur. Il a visité de nombreux pays autour du monde utilisant divers ateliers d’artistes pour développer sa créativité. Car Johan Creten est avant tout un sculpteur travaillant aussi bien la résine, le cuivre ou l’argile. Ses œuvres s’inspirent principalement de la nature, que ce soit pour leur forme générale ou les motifs qui les recouvrent. On peut ainsi retrouver des représentations de corps féminins, d’animaux ou de diverses formes organiques inspirées de plantes ou de créatures sous-marines. 

[Morgane Thomas]

Anna, grès émaillé.

The New Wound, grès émaillé.

Cameron Jamie

Né à Los Angeles et vivant en France depuis 2000, l’artiste s’est fait connaître par performances, films, sculptures, photographies, dessins et installations. Sa pratique se base sur le regard que nous portons sur nous-même et sur le monde en général. A travers une série de dessins à l’encre de chine et au café, et de sculptures en céramique émaillée, l’artiste nous présente une galerie de personnages à l’étrangeté élégiaque, presque poignante, paraissant nous interroger sur la nature de la condition de l’homme. 

Faisant mine de se détourner du visiteur, pour se replier sur elle-mêmes,  les sculptures de Cameron Jamie obligent le spectateur à en faire le tour pour venir à leur rencontre. De cette confrontation peut naître une réaction de crainte, un mouvement de colère ou un élan d’amour. Il permet aux sculptures de déterminer leurs propres formes, retrouvant dans l’argile, support des premières créations de l’enfance, un rapport primitif, magique, à la substance organique. "Beaucoup de ses créatures fragiles ne survivent pas jusqu’à l’exposition", explique Cameron Jamie. "Dans la céramique, Il y a beaucoup d’échec, de casse, une forte dimension expérimentale". Les œuvres sont le fruit d’un « big bang ». 

Allant plus loin que dans les premières céramiques qu’il a présentées à la Biennale de Berlin en 2010, l’artiste a travaillé le socle de ses sculptures à la main dans un véritable corps-à-corps avec la matière, produisant des objets artistiques non identifiés, à l’apparence mi-osseuse, mi-rocheuse, dans une gamme colorée allant du doré au marron.

[Louise Robert]

Moonchild, céramique émaillée, 2011.

Sylvie Auvray

Sylvie Auvray est une artiste parisienne s’épanouissant aussi bien en peinture qu’en céramique. Dans son univers très personnel, on voyage avec elle dans un passé oublié, qu’elle a réussi à dénicher ici et là. Elle utilise des objets de récupération et leurs offre une seconde jeunesse à coup de boudin de céramique, elle les restructure, les émaille d’or, les transforme pour en faire de petites statuettes rangées en ligne presque militairement. Ce travail met en lumière alors de petits êtres dorés presque attachants dans leurs renouveau, qui souligne peut être une part d’enfance retrouvée de l’artiste.

[Pauline Jouitteau]

Sans titre, 2011.

Sans titre 2012

Sans titre, 2010.

Céramistes actuels : une approche plus abstraite

Bente Skjottgaard

Céramiste Danoise, née en 1961, Bente Skojttgaard a eu une formation de céramiste. Son inspiration lui vient des phénomènes de la nature. Son travail part toujours de la céramique mais son exploration de formes et de textures la font souvent évoluer vers des formes abstraites qui évoquent la nature, des formes organiques, végétales, aquatiques et le motif du nuage. Dans ces œuvres, les couleurs sont agréables pour le spectateur, et ces effets de texture grâce aux glaçures donnent envie de toucher, d’observer… On savoure ces œuvres denses et mates, soyeuses et parfois écumeuses.

 « La chose fantastique avec la terre, c'est que ce matériau issu de la nature, peut constamment être transformé en quelque chose de nouveau et de pertinent. »

On peut observer qu’elle a travaillé des formes différentes selon les périodes. Elle commence dans les années 1990 avec des objets formels tels que des vases, des objets de salle de bain. C’est à partir des années 2000 qu’elle explore l’abstraction. Au début elle exploite des formes qui ressemble à du corail, à des branches. En 2007 et 2008, elle expérimente différentes textures mousseuse, coulantes, poreuses, craquelées. Entre 2010 et 2012, elle expérimentera des empreintes, celles des sabots de vaches ainsi que l’empreinte d’un pneu. Par la suite, jusqu’en 2014, on pourra surtout voir des formes qui rappellent des nuages, comme reliés au sol par des racines. Par leurs couleurs et leur aspect mou et sucré, on pourrait presque les associer à des bonbons.

[Coline Hercouet]

Cinq Vases, grès et fonte moulés, 1991.

Frieze P7 n°1207, 1209 et 1210, grès, 2012.

Pink Clouds Field, céramique, 2011.

Two White Cubes, grès, 2004.

Weather Set, grès glaçure et époxy, 2013.

Farida Le Suavé 

“En cherchant la forme, je cherche à capter des forces et à donner à mes sculptures l'énergie suffisante qui constitue leur présence.” Voilà comment Farida Le Suavé définit son travail. Cette artiste demeure sensible à la forme et au sens qui la définit. Ses sculptures en céramique, peuvent porter le nom de Fragments, et sont de ce fait, des fragments de céramiques articulés autour de la forme. La couleur chair majoritairement employée, leur donne un aspect humain, comme des bouts de corps torturés. La céramique qui n’est autre que de la terre cuite, offre en effet sa possible malléabilité jusqu’à prendre âme, acquérir une personnalité. Farida Le Suavé sculpte avec poésie ces formes qui l’inspirent avec cette persuasion que l’art abstrait ne découle que du naturel. Ces formes nous interpellent puisque nous pensons les connaître, les reconnaitre.  

[Clément Lemière]

Fragment, grès modelé et poli, 2009.

Céramiques.

Clepsydre, céramique, bois liège et verre, 2008.

Fragment, grès modelé et poli, 2009.

Aldo Bakker

Aldo Bakker, jeune designer néerlandais nous présente ses créations en porcelaine : carafes, pot à lait et autres pièces pour la table. Son idée transversale : repenser les formes. Chaque pièce prend alors une dimension à la fois étonnante et inhabituelle, mais qui semble totalement naturelle une fois dans les mains d’un utilisateur.

Chaque objet est tel un archétype d’un verseur ou d'un récipient, avec des éléments comme le bec ou l'anse élargis ou réduits, créant ainsi de nouvelles formes suggestives de l’acte de verser. Aldo Bakker anoblit le frêne, la céramique ou la laque. Le poids des objets, leurs courbes sensuelles, la sensation qu'ils procurent au toucher et le temps qu'ils requièrent font, de l'aveu du créateur, partie intégrante de leur identité.
Ses créations induisent une nouvelle gestuelle précise et délicate. Dans un subtil jeu d'équilibre, sa carafe en porcelaine Jug se retourne sur sa tasse une fois vidée. Son vinaigrier, d'allure fantomatique, intègre un bec doseur et sied aussi bien aux droitiers qu'aux gauchers. Il défend l'idée que, même quand ils ne sont pas utilisés, ses objets ont encore quelque chose à dire.

[Amélie Galcera]

Carafe Jug.

Vinaigrier.

Chalice, Alineto B, Atefact.

Andrea Branzi

Andrea Branzi, architecte et designer italien né en 1938, est connu pour donner un sens à l’objet dans sa dimension humaine et culturelle. En 2010, il réalise la série limitée intitulée Louis XXI, porcelaine humaine en porcelaine de Sèvres. Ces objets sont inspirés par la nature : ondulations, courbes, douceur et lignes végétales en sont les points forts. Parfois monté sur pied haut ou pied bas, le service se compose de coupes, de calices, de corolles et de bougeoirs, réalisés à différentes échelles. Après réflexion sur l’hybridation de la nature, Andrea Branzi, réalise un service en porcelaine teinté dans la masse à la couleur de la peau. Ce projet apporte de la modernité aux traditions.

[Mathilde Pointeau]

Louis XXI, porcelaine humaine.

Louis XXI, porcelaine humaine.

Louis XXI, porcelaine humaine, sketch.

Céramistes actuels : une approche plus conceptuelle

Jessica Harrison 

Jessica Harrison est une jeune artiste écossaise diplômée d’arts plastique et plus précisément de sculpture. C’est en regardant la collection de céramiques de sa mère qu’elle a commencé à transformer les poupées en céramique. Les figurines en porcelaine de bergères ou de jeunes filles kitsch se transforme en d’étranges princesses séduisantes et morbides. En effet, l’artiste met en scène une armée de morts-vivantes-gores avec des yeux en moins, des organes apparents, des parties du corps mutilées.
Une autre série de figurines met en scène des jeunes filles entièrement recouvertes de tatouages traditionnels. L'artiste reprend les motifs les plus symboliques du tatouage comme le cœur, le crâne et la rose.  Son travail tout en finesse est teinté d’humour noir et très organique.
[Charlotte Quesnel]

Imogen.

Rita.

Sans titre.

Christelle Familiari
Christelle Familiari est une artiste née en 1972, qui vit et travaille à Paris. Elle crée, en 2006, Le Tissu en Porcelaine. Réalisé dans les ateliers du CRAFT à Limoges, ce tissu se compose de maillons de porcelaine. Il s’agit de petites pièces ovoïde tissées par l’artiste avec du fil dentaire. Cette « nappe » est présentée sur une table de verre. Christelle Familiari porte une grande importance à la matière émaillée en général. Son œuvre est gracieuse, légère, fluide. Elle parle de son travail comme d’un élément de séduction, se rapportant aux moucharabiehs orientaux qui dérobaient les femmes aux regards. Elle choisit, en 2011, de mettre en vente 40 exemplaires, composés de 494 perles en porcelaine émaillée blanc sur une face, un galet en céramique. L’ensemble est présenté sur une feutrine orange dans une boite cartonnée.
[Morgane Boulet]

Tissu en porcelaine.

Tissu en porcelaine.

Tissu en porcelaine.

Atelier Polyhèdre

L’Atelier Polyhèdre est un atelier de céramique développé par Baptiste Ymonet et Vincent Jousseaume, dédié à la création de faïences en pièces uniques et en séries limitées, né en 2005. Implantés à Nantes dans le quartier de la création, ces deux Designer Céramistes développent et diffusent leur production dans le monde entier (Londres, Seattle ou encore au Liban). L’atelier Polyhèdre est notamment lauréat du concours des Ateliers d’Art de France pour participer au salon Maison & Objet 2007. Ils participent à de nombreuses expositions pour mettre en avant leurs différentes créations.
Jouant avec des éléments baroques, anatomiques, inspirés du quotidien ou encore évanescents comme la fumée, ils manipulent, détournent et mélangent ces motifs pour donner aux contenants des silhouettes singulières, inédites et parfois même grinçantes.
L’atelier Polyhèdre conçoit et réalise de objets qui empruntent à l’Art contemporain, à l’artisanat d’art et au design. Fuyant toute idée de classification définitive, les deux artistes « sans étiquette » exposent désormais au Design Museum de Gand et ont vu le Fond Nation d’Art Contemporain se porter acquéreur de leur série d’objets Glissements de Terrains.
« Il n’y a vraiment pas de règle ni de tempo pour la création de pièce. On peut avoir des intuitions très nettes qui permettent de créer un objet en une journée et puis tâtonner un an à la recherche de quelque chose qui nous échappe et qui émergera après de longs mois de maturation. Ensuite, en terme de réalisation, les durées sont variables en fonction de la complexité technique de la pièce mais comme nous fonctionnons sur la base de séries très limitées, le temps de réalisation n’est pas excessif. »
[Marion Fouré]

Antenne I Cratères, faïence rouge et émail bleu de Sèvres.

Console Rocheuse, faïence rouge.

Creamy Cup, faïence, émail blanc et or.

 Pour voir leur site

Ai Weiwei

 L’art d’Ai Weiwei, figure majeure de la scène artistique indépendante chinoise, s’inspire de la tradition chinoise. C’est donc tout naturellement qu’il s’est emparé de l’art de la porcelaine impériale chinoise, vieille de millénaires, pour réaliser l’une des plus grandes œuvres contemporaines au monde. Les Graines de Tournesol d’Ai Weiwei sont milliers de pièces uniques, faites de porcelaine réalisées par des artisans de la région de Jingdezhen, et peintes à la main par l’artistes.

Chaque graine, bien que de forme simple, possède de multiples significations. Snack de rue en Chine, elles sont avant tout un objet du quotidien de l’enfance de l'artiste tout en évoquant le « soleil » et donc le régime de Mao. Elles peuvent aussi être le vues comme un écho à la mondialisation et la production de masse en Chine due au consumérisme occidental et à tout ce qui en découle (comme les chaînes de montage et les milliers d’individus derrière ce processus). Chacune de ces graines peut donc être vue comme un symbole lié à la société, la politique et l’économie en Chine.

Cette œuvre, ayant nécessité plus de 2 ans de construction avant sa première exposition au Tate Museum en 2010, ne cessera d’évoluer au cours des différentes expositions, dans plus de 9 pays.

[Julie Bigot]

Graines de tournesol.

Graines de tournesol.

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