À l’occasion du WorkShop animé par la céramiste Hélène Morbu, nous avons réalisé par groupe un service de table en terre.
Il existe plusieurs manières de travailler la céramique. La méthode que nous avons utilisée est celle des plaques de terre que nous étalons entre deux baguettes de bois à l’aide d’un rouleau et que nous enroulons ensuite autour des contreformes afin de leur donner la forme souhaitée.
Nous vous proposons de découvrir d’autres techniques grâce à plusieurs artistes aux univers différents ayant utilisé la céramique dans leurs réalisations.
[Elise Huneau et Perrine Bader]
HISTORIQUES : Quelques artistes du XXème siècle qui expérimentent la céramique
Paul Gauguin
Le Primitivisme dans le travail de Gauguin s’explique par la quête d’un retour aux origines, à une vie plus proche de la nature. Nous comprenons avec cette œuvre que son travail de sculpture et de céramique est au cœur de sa démarche primitiviste. Il semblerait que Paul Gauguin lors de son enfance passée au Perou, ait été en contact de poteries péruviennes ; nous pourrions donc penser que, pour lui, pratiquer la poterie est un double retour aux origines, à la fois celle de l’enfance mais aussi aux origines de la vie en quelque sorte.
[Justine Suteau]
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| Pot en forme de tête, céramique, 1889 |
Kasimir Malevitch
En 1917, Malevitch se voit confier des responsabilités artistiques et pédagogiques dans la Russie révolutionnaire. Il va alors imposer, contre l'expressionnisme rêveur de Marc Chagall, une approche artistique plus radicale, plus abstraite.
Il crée alors des formes architecturales, qu’il appelle architectones (qui sont à la fois des sculptures et des projets d'habitation), des objets courants, industriels, au design très soigné. Ce genre d'ouverture de l'art vers la vie, l'architecture, l'objet était à l'époque très rare et laissé plutôt à l’artisanat.
Le service à thé de Malevich se compose d'une théière et de deux (demies) tasses. La combinaison du tridimensionnel et des formes plates, rondes et rectangulaires offrent un effet étonnant à ces objets.
Les reproductions de ce service sont très connues des collectionneurs et amateurs de théières dans le monde entier.
[Arthur Godet]
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Malevitch - Service à thé.
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| Théière. |
Pablo Picasso
Pablo Picasso était un célèbre artiste espagnol reconnu pour ses peintures. Il exprimait également son art dans de nombreuses disciplines artistiques comme la sculpture, la gravure, la lithographie, la linogravure, la céramique et la poterie. Il est l'un des artistes les plus influents du 20ème siècle. Il est le co-fondateur du mouvement cubiste, il participa à l’invention de la sculpture construite et de l'art de l'assemblage. À l'été 1946, Picasso assista à une exposition de poterie par les potiers Madoura Georges et Suzanne Ramie qui l'accueillirent dans leur atelier et lui donnèrent accès à tout ce dont il avait besoin pour explorer et exprimer sa créativité avec de la céramique, en échange de la production et la vente de ses œuvres. Picasso a créé des céramiques originales dans une multitude de formes, couleurs et tailles avec une gamme large de sujets et motifs. Ses pièces variaient de l'assiette, aux pichets, à des plaques et des vases. Les décorations incluaient des portraits, la tauromachie, la nature et des paysages. Picasso voulait que ses pièces soient à la fois accessibles et abordables. Il a créé des œuvres éditées à plus de 500 exemplaires, disponibles à l'achat directement à partir de l'atelier. Il a continué à créer des pièces d'argile jusqu'aux dernières années de sa vie car c'était pour lui une pause relaxante comparativement au dur travail de la peinture.
[Íris Björk Björnsdóttir]
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| Fish, argile rouge en terre cuite avec engobe, 1952. |
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Quatre profils enlacés, plaque de céramique partiellement vitrée, 1949.
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Lucio Fontana
Peintre et sculpteur italien d’origine argentine, Lucio Fontana fonde le mouvement spatialiste. Il met en avant l’espace en explorant sa relation avec la matière. Au cours de sa carrière, l’artiste navigue constamment entre abstraction et figuration.
Fontana, réalise de nombreuses œuvres inspirées de l’iconographie traditionnelle (couleurs et sujet) comme Figure féminine avec fleurs. Le grand vase Battaglia évoque des poteries de l’antiquité. On y voit des personnages lors d’un combat, armés de leurs lances. L’artiste est surtout connu pour ses Concetto Spaziale, grosses boules de terre cuite percées de trous, fentes et cratères. Semblable à des planètes, Concetto Spaziale Natura a une connotation sexuelle évidente, « Natura » au pluriel désignant le sexe féminin en argot italien.
[Neha Hassanbay]
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Figure féminine avec fleurs, 1948.
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Battaglia, 1949.
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Concetto Spaziale Sferico, 1957.
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Concetto Spaziale Natura, 1959-60.
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Céramistes actuels : les tendances EXPRESSIONISTES
Sana Musasama
Sana Musasama est une artiste céramiste américaine née à New-York en 1957. Son travail reflète son intérêt et sa sensibilité à la condition humaine et aux actes de barbaries, physiques ou moraux qui sont encore acceptés dans certaines coutumes communautaires, tels que l’excision ou le bandage des pieds. Son art chargé de symbolique, telles des poupées vaudous, est marqué par ses origines africaines mais aussi par ses voyages et ses rencontres.
« Il découle de mes voyages mondiaux, des foyers et des cœurs des gens que j'ai rencontrés; ces pièces représentent leurs voix silencieuses, qui restent inconnues et sans nom. »
C’est ainsi que Sana Musasama peut se voir comme une artiste mais également comme une activiste sociale. Porte-parole, témoin des sans voix, protestant contre ces mutilations, ces sévices et ces oppressions. Les pièces de Sana Musasama posent des questions. Comment pouvons-nous éradiquer des coutumes vieilles de 6000 ans ? À quelles répercussions ces femmes doivent-elles faire face ? L’artiste crée également des dialogues, des liens, entre les différents continents et les citoyens, ou encore entre les individus et l’impérialisme culturel.
[Jocelin Verga]
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Cut, Unspeakable Series.
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Apple Tree Series.
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Elmar Trenkwalder
Elmar Trenkwalder, né en 1959, est un artiste autrichien, dessinateur, peintre et sculpteur,particulièrement connu pour ses œuvres en céramique. Il est fasciné est par les cultures et traditions de différentes époques, empruntant dans ses sculptures différents styles : gothique, antique ou baroque. Très souvent, il ajoute à ses sculptures des formes végétales suggestives. Ces œuvres, souvent de grandes tailles, paraissent ambiguës puisque nous ne savons pas s’il s’agit de monuments, de personnages ou bien simplement de sculptures informelles. En effet, l’artiste réussit à nous faire basculer entre l’hallucination et la réalité.
[Charlotte de Rafélis de Broves]
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WVZ 150, céramique émaillée, 2OOO.
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WVZ 183, céramique émaillée, 2006.
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Michel Gouéry
Cet artiste a nourri son œuvre de cinéma, de bande dessinée, de science fiction, de Dada et de Surréalisme. Il crée des ensembles de sculptures en céramique où l'on trouve des créatures plus ou moins humanoïdes avec des disproportions souvent curieuses, des guirlandes murales en relief où humain et végétal s’entremêlent.
Certaines pièces font penser à des anémones de mer, des coraux ou des crustacés. L'artiste a longtemps collectionné les fossiles. Ailleurs, ce sont des totems qui sont à mi-chemin entre le bâton druidique et la crosse papale. Des visages émergent parfois de la matière comme prisonniers d'elle et tentant de s'extirper de cette geôle étouffante.
La céramique qu'il utilise est lisse ou granuleuse, parfois mat ou avec des effets moirés et confirme toute la virtuosité de l'artiste.
L'artiste justifie son choix de quitter la peinture pour la sculpture en déclarant : "Les peintures étaient de plus en plus longues à faire et lorsque j’ai commencé la sculpture, je suis redevenu comme un enfant en train de travailler sa pâte à modeler sur la table".
[Clémence du Cleuziou]
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Sans titre.
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Sans titre.
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Sans titre.
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Johan Creten
Cet artiste d’origine belge est un grand voyageur. Il a visité de nombreux pays autour du monde utilisant divers ateliers d’artistes pour développer sa créativité. Car Johan Creten est avant tout un sculpteur travaillant aussi bien la résine, le cuivre ou l’argile. Ses œuvres s’inspirent principalement de la nature, que ce soit pour leur forme générale ou les motifs qui les recouvrent. On peut ainsi retrouver des représentations de corps féminins, d’animaux ou de diverses formes organiques inspirées de plantes ou de créatures sous-marines.
[Morgane Thomas]
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Anna, grès émaillé.
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The New Wound, grès émaillé.
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Cameron Jamie
Faisant mine de se détourner du visiteur, pour se replier sur elle-mêmes, les sculptures de Cameron Jamie obligent le spectateur à en faire le tour pour venir à leur rencontre. De cette confrontation peut naître une réaction de crainte, un mouvement de colère ou un élan d’amour. Il permet aux sculptures de déterminer leurs propres formes, retrouvant dans l’argile, support des premières créations de l’enfance, un rapport primitif, magique, à la substance organique. "Beaucoup de ses créatures fragiles ne survivent pas jusqu’à l’exposition", explique Cameron Jamie. "Dans la céramique, Il y a beaucoup d’échec, de casse, une forte dimension expérimentale". Les œuvres sont le fruit d’un « big bang ».
Allant plus loin que dans les premières céramiques qu’il a présentées à la Biennale de Berlin en 2010, l’artiste a travaillé le socle de ses sculptures à la main dans un véritable corps-à-corps avec la matière, produisant des objets artistiques non identifiés, à l’apparence mi-osseuse, mi-rocheuse, dans une gamme colorée allant du doré au marron.
[Louise Robert]
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Moonchild, céramique émaillée, 2011.
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Sylvie Auvray
Sylvie Auvray est une artiste parisienne s’épanouissant aussi bien en peinture qu’en céramique. Dans son univers très personnel, on voyage avec elle dans un passé oublié, qu’elle a réussi à dénicher ici et là. Elle utilise des objets de récupération et leurs offre une seconde jeunesse à coup de boudin de céramique, elle les restructure, les émaille d’or, les transforme pour en faire de petites statuettes rangées en ligne presque militairement. Ce travail met en lumière alors de petits êtres dorés presque attachants dans leurs renouveau, qui souligne peut être une part d’enfance retrouvée de l’artiste.
[Pauline Jouitteau]
[Pauline Jouitteau]
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Sans titre, 2011.
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Sans titre 2012
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Sans titre, 2010.
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Céramistes actuels : une approche plus abstraite
Bente Skjottgaard
Céramiste Danoise, née en 1961, Bente Skojttgaard a eu une formation de céramiste. Son inspiration lui vient des phénomènes de la nature. Son travail part toujours de la céramique mais son exploration de formes et de textures la font souvent évoluer vers des formes abstraites qui évoquent la nature, des formes organiques, végétales, aquatiques et le motif du nuage. Dans ces œuvres, les couleurs sont agréables pour le spectateur, et ces effets de texture grâce aux glaçures donnent envie de toucher, d’observer… On savoure ces œuvres denses et mates, soyeuses et parfois écumeuses.
« La chose fantastique avec la terre, c'est que ce matériau issu de la nature, peut constamment être transformé en quelque chose de nouveau et de pertinent. »
On peut observer qu’elle a travaillé des formes différentes selon les périodes. Elle commence dans les années 1990 avec des objets formels tels que des vases, des objets de salle de bain. C’est à partir des années 2000 qu’elle explore l’abstraction. Au début elle exploite des formes qui ressemble à du corail, à des branches. En 2007 et 2008, elle expérimente différentes textures mousseuse, coulantes, poreuses, craquelées. Entre 2010 et 2012, elle expérimentera des empreintes, celles des sabots de vaches ainsi que l’empreinte d’un pneu. Par la suite, jusqu’en 2014, on pourra surtout voir des formes qui rappellent des nuages, comme reliés au sol par des racines. Par leurs couleurs et leur aspect mou et sucré, on pourrait presque les associer à des bonbons.
[Coline Hercouet]
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Cinq Vases, grès et fonte moulés, 1991.
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Frieze P7 n°1207, 1209 et 1210, grès, 2012.
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Pink Clouds Field, céramique, 2011.
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Two White Cubes, grès, 2004.
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Weather Set, grès glaçure et époxy, 2013.
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Farida Le Suavé
“En cherchant la forme, je cherche à capter des forces et à donner à mes sculptures l'énergie suffisante qui constitue leur présence.” Voilà comment Farida Le Suavé définit son travail. Cette artiste demeure sensible à la forme et au sens qui la définit. Ses sculptures en céramique, peuvent porter le nom de Fragments, et sont de ce fait, des fragments de céramiques articulés autour de la forme. La couleur chair majoritairement employée, leur donne un aspect humain, comme des bouts de corps torturés. La céramique qui n’est autre que de la terre cuite, offre en effet sa possible malléabilité jusqu’à prendre âme, acquérir une personnalité. Farida Le Suavé sculpte avec poésie ces formes qui l’inspirent avec cette persuasion que l’art abstrait ne découle que du naturel. Ces formes nous interpellent puisque nous pensons les connaître, les reconnaitre.
[Clément Lemière]
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Fragment, grès modelé et poli, 2009.
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Céramiques.
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Clepsydre, céramique, bois liège et verre, 2008.
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Fragment, grès modelé et poli, 2009.
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Aldo Bakker
Aldo Bakker, jeune designer néerlandais nous présente ses créations en porcelaine : carafes, pot à lait et autres pièces pour la table. Son idée transversale : repenser les formes. Chaque pièce prend alors une dimension à la fois étonnante et inhabituelle, mais qui semble totalement naturelle une fois dans les mains d’un utilisateur.
Chaque objet est tel un archétype d’un verseur ou d'un récipient, avec des éléments comme le bec ou l'anse élargis ou réduits, créant ainsi de nouvelles formes suggestives de l’acte de verser. Aldo Bakker anoblit le frêne, la céramique ou la laque. Le poids des objets, leurs courbes sensuelles, la sensation qu'ils procurent au toucher et le temps qu'ils requièrent font, de l'aveu du créateur, partie intégrante de leur identité.
Ses créations induisent une nouvelle gestuelle précise et délicate. Dans un subtil jeu d'équilibre, sa carafe en porcelaine Jug se retourne sur sa tasse une fois vidée. Son vinaigrier, d'allure fantomatique, intègre un bec doseur et sied aussi bien aux droitiers qu'aux gauchers. Il défend l'idée que, même quand ils ne sont pas utilisés, ses objets ont encore quelque chose à dire.
Ses créations induisent une nouvelle gestuelle précise et délicate. Dans un subtil jeu d'équilibre, sa carafe en porcelaine Jug se retourne sur sa tasse une fois vidée. Son vinaigrier, d'allure fantomatique, intègre un bec doseur et sied aussi bien aux droitiers qu'aux gauchers. Il défend l'idée que, même quand ils ne sont pas utilisés, ses objets ont encore quelque chose à dire.
[Amélie Galcera]
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Carafe Jug.
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Vinaigrier.
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Chalice, Alineto B, Atefact.
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Andrea Branzi
Andrea Branzi, architecte et designer italien né en 1938, est connu pour donner un sens à l’objet dans sa dimension humaine et culturelle. En 2010, il réalise la série limitée intitulée Louis XXI, porcelaine humaine en porcelaine de Sèvres. Ces objets sont inspirés par la nature : ondulations, courbes, douceur et lignes végétales en sont les points forts. Parfois monté sur pied haut ou pied bas, le service se compose de coupes, de calices, de corolles et de bougeoirs, réalisés à différentes échelles. Après réflexion sur l’hybridation de la nature, Andrea Branzi, réalise un service en porcelaine teinté dans la masse à la couleur de la peau. Ce projet apporte de la modernité aux traditions.
[Mathilde Pointeau]
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Louis XXI, porcelaine humaine.
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Louis XXI, porcelaine humaine.
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Louis XXI, porcelaine humaine, sketch.
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Céramistes actuels : une approche plus conceptuelle
Jessica Harrison
Une autre série de figurines met en scène des jeunes filles entièrement recouvertes de tatouages traditionnels. L'artiste reprend les motifs les plus symboliques du tatouage comme le cœur, le crâne et la rose. Son travail tout en finesse est teinté d’humour noir et très organique.
[Charlotte Quesnel]
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Imogen.
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Rita.
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Sans titre.
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Christelle Familiari
Christelle Familiari est une artiste née en 1972, qui vit et travaille à Paris. Elle crée, en 2006, Le Tissu en Porcelaine. Réalisé dans les ateliers du CRAFT à Limoges, ce tissu se compose de maillons de porcelaine. Il s’agit de petites pièces ovoïde tissées par l’artiste avec du fil dentaire. Cette « nappe » est présentée sur une table de verre. Christelle Familiari porte une grande importance à la matière émaillée en général. Son œuvre est gracieuse, légère, fluide. Elle parle de son travail comme d’un élément de séduction, se rapportant aux moucharabiehs orientaux qui dérobaient les femmes aux regards. Elle choisit, en 2011, de mettre en vente 40 exemplaires, composés de 494 perles en porcelaine émaillée blanc sur une face, un galet en céramique. L’ensemble est présenté sur une feutrine orange dans une boite cartonnée.
[Morgane Boulet]
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Tissu en porcelaine.
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Tissu en porcelaine.
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Tissu en porcelaine.
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Atelier Polyhèdre
Jouant avec des éléments baroques, anatomiques, inspirés du quotidien ou encore évanescents comme la fumée, ils manipulent, détournent et mélangent ces motifs pour donner aux contenants des silhouettes singulières, inédites et parfois même grinçantes.
L’atelier Polyhèdre conçoit et réalise de objets qui empruntent à l’Art contemporain, à l’artisanat d’art et au design. Fuyant toute idée de classification définitive, les deux artistes « sans étiquette » exposent désormais au Design Museum de Gand et ont vu le Fond Nation d’Art Contemporain se porter acquéreur de leur série d’objets Glissements de Terrains.
« Il n’y a vraiment pas de règle ni de tempo pour la création de pièce. On peut avoir des intuitions très nettes qui permettent de créer un objet en une journée et puis tâtonner un an à la recherche de quelque chose qui nous échappe et qui émergera après de longs mois de maturation. Ensuite, en terme de réalisation, les durées sont variables en fonction de la complexité technique de la pièce mais comme nous fonctionnons sur la base de séries très limitées, le temps de réalisation n’est pas excessif. »
[Marion Fouré]
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Antenne I Cratères, faïence rouge et émail bleu de Sèvres.
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Console Rocheuse, faïence rouge.
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Creamy Cup, faïence, émail blanc et or.
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Ai Weiwei
L’art d’Ai Weiwei, figure majeure de la scène artistique indépendante chinoise, s’inspire de la tradition chinoise. C’est donc tout naturellement qu’il s’est emparé de l’art de la porcelaine impériale chinoise, vieille de millénaires, pour réaliser l’une des plus grandes œuvres contemporaines au monde. Les Graines de Tournesol d’Ai Weiwei sont milliers de pièces uniques, faites de porcelaine réalisées par des artisans de la région de Jingdezhen, et peintes à la main par l’artistes.
Chaque graine, bien que de forme simple, possède de multiples significations. Snack de rue en Chine, elles sont avant tout un objet du quotidien de l’enfance de l'artiste tout en évoquant le « soleil » et donc le régime de Mao. Elles peuvent aussi être le vues comme un écho à la mondialisation et la production de masse en Chine due au consumérisme occidental et à tout ce qui en découle (comme les chaînes de montage et les milliers d’individus derrière ce processus). Chacune de ces graines peut donc être vue comme un symbole lié à la société, la politique et l’économie en Chine.
Cette œuvre, ayant nécessité plus de 2 ans de construction avant sa première exposition au Tate Museum en 2010, ne cessera d’évoluer au cours des différentes expositions, dans plus de 9 pays.
[Julie Bigot]
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Graines de tournesol.
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Graines de tournesol.
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Notre WORKSHOP CÉRAMIQUE / P2
