un mouvement, un artiste

L'art du XXème siècle : Un mouvement - Un artiste 

L'histoire de l'art est constituée d'une multitude de courants, de ruptures, d'avancées… . Les artistes ont toujours aspiré au changement, cherchant de une nouvelles façons de concevoir l'art, le monde… Ils se sont regroupés essayant de mettre en avant des idées, des attitudes, des formes nouvelles et ont créé des mouvements. Peu de personnes sont capables d'énumérer tous les courants d'idées qui ont traversés les siècles, en particulier le XXème qui voit l'émergence d'un nombre incroyable de mouvements. Ici, sont donc énumérés quelques uns d'entre eux avec à chaque fois le choix d'un artiste important le caractérisant. Pour les curieux voici un petit assortiment : Le Dadaïsme, l'Orphisme, Le Suprématisme, l'Expressionnisme Abstrait, le Minimal Art, le Pop Art, l'Op Art, les Nouveaux Réalistes, l'Art Conceptuel, le Land Art, l'Art Corporel, le Street Art, l'Art Numérique, l'Arte Povera, et enfin l'Art Brut. [Apolline Hellez et Eglantine Cassant]

L'Orphisme et Robert Delaunay

Style français de peinture abstraite dérivé du cubisme, dans lequel les harmonies des couleurs l'emportent sur les formes. Le terme cubisme orphique, qui devint par la suite orphisme, fut utilisé pour la première fois par le poète Guillaume Apollinaire en 1913, pour décrire les qualités et les visions qu'il perçut dans les premières œuvres subjectives de Robert Delaunay. Celui-ci, dans ces dernières œuvres, chercha à développer un équivalent visuel de la musique par l'interaction de la lumière et des couleurs sur une forme abstraite.Robert Delaunay, né le 12 avril 1885 à Paris et décédé le 25 octobre 1941 à Montpellier, est un peintre français. Avec sa femme Sonia Delaunay et quelques autres artistes, il est le fondateur et le principal artisan du mouvement orphique.
Ses travaux sur la couleur prennent pour origine plusieurs théories de la loi du contraste simultané des couleurs.
Par un travail concentré sur l'agencement des couleurs sur la toile, il cherche l'harmonie picturale. [Jean-Baptiste Dodin]

 Robert Delaunay Hélice 1923

Robert Delaunay Rythme 1932   

Robert Delaunay Relief Disques 1936

                                                

Le Suprématisme et Kazimir Malevitch

Le Suprématisme, fondé par Kazimir Malevitch en 1915, est un courant qui participe au mouvement plus large de l'Avant-garde russe en nous plongeant dans une abstraction absolue. C’est une peinture libérée de toute représentation. Dans une recherche de sensibilité picturale pure, la couleur n’est travaillée que pour elle-même. [Pierre Arassus]
Artiste :

Kazimir Malevitch (1878-1935)

 Carré noir sur fond blanc, 1915, huile sur toile, 106,2 x 106,5 cm, Musée Russe, Saint-Pétersbourg

Architectone Zeta - 1923-1927

Le Dadaïsme et Hans Arp

C'est pendant la première guerre mondiale, en 1916 à Zurich, que naît le mouvement Dada. En opposition avec les conventions et les contraintes idéologiques établies, les Dadaïste se veulent irrespectueux, extravagants et méprisants envers les codes du passé.

Artiste emblématique du mouvement Dada, Jean Arp co-fonde le mouvement. C'est à travers ses nombreuses sculptures qu'il s'illustre et explore différents matériaux. Jean Arp ne fait pas de la sculpture figurative mais préfère suggérer les formes. [Thibault Merlet]

Jean Arp - La Mise au tombeau des oiseaux et papillons, Portrait de Tristan Tzara - 1916-1917, relief, bois peint, 40 x 32,5 x 9,5 cm, Kunsthaus Zürich, Zurich.

Le Surréalisme et Salvador Dali

Définition de André Breton : « Automatisme psychique pur par lequel on se propose d’exprimer, soit verbalement, soit de toute autre manière, le fonctionnement réel de la pensée. Dictée de la pensée, en l’absence de tout contrôle exercé par la raison, en dehors de toute préoccupation esthétique ou morale.»

Le Surréalisme est né en 1924 à Paris

Un artiste : Salvador Dali

Né à Figueras le 11 mai 1904 et mort dans la même ville le 23 janvier 1989 Salvador Dali est un peintre, sculpteur, graveur, scénariste et écrivain catalan de nationalité espagnole. Il est sans nul doute un des peintres les plus connus du mouvement surréaliste avec entre autre son œuvre La persistance de la mémoire 1931. [Virgile Fracchetti]

Salvador Dali

La Persistance de la Mémoire 1931

Enfant Géopolitique Observant la Naissance d'un Homme Nouveau 1943

Expressionnisme abstrait et Joan Mitchell

L’Expressionnisme abstrait américain est le premier grand mouvement artistique des États-Unis d’Amérique. Les artistes expérimentent une nouvelle forme de peinture dans laquelle ils s’expriment par le geste, la couleur et la matière.

Ce mouvement apparaît peu après la Seconde Guerre mondiale, en 1946, aux États-Unis, lors d’une exposition new-yorkaise. Cet événement provoque bien des remous, puisqu'il déchaîne la colère du Parti Républicain qui y perçoit une certaine forme de propagande communiste. Les principales figures du courant sont Arshile Gorky, Franz Kline, Willem de Kooning, Jackson Pollock et Joan Mitchell.

Joan Mitchell est l’une des plus grands peintres abstraits du XXe siècle. Entre 1950 et 1958, elle travaille et expose à New York aux côtés des autres peintres expressionnistes abstraits comme Willem De Kooning, Robert Motherwell et Jackson Pollock. Dans sa peinture, la nature est sublimée de façon abstraite comme en témoigne les séries de La Grande Vallée, Les Tournesols ou encore les Champs. Bien que Joan Mitchell ait toujours refusé que l’on compare ses peintures avec l’œuvre tardive de Claude Monet à Giverny, les deux artistes ont en commun plusieurs préoccupations artistiques : l’ancrage de leur pratique dans une incessante observation de la nature, leur intérêt optique pour la couleur et la lumière, sans oublier la mise au point d’une surface picturale monumentale et sans point de fuite, à la fois frontale et transparente. [Romain SILLON]

La Grande Vallée, 1983

Pastel- 1978

L'art Minimal de Donald Judd

L'art minimal est un courant de l'art contemporain, apparu au début des années 1960 aux Etats-Unis, basé sur le principe de l'économie maximale des moyens. L'intervention de l'artiste sur l'œuvre doit être poussée à son minimum. Ce mouvement s'est développé dans d'autres arts comme la musique, la danse, la cuisine, mais surtout dans le design et l'architecture

Donald Judd est un artiste plasticien américain (né en 1928 et mort en 1994). Figure majeur du minimaliste, Donald Judd imagine et met en œuvre des installations radicales, rigoureuses. Ses recherches le mènent à produire des œuvres tridimensionnelles fondées sur des formes simples. Sa démarche est caractérisée par la simplicité de formes à la géométrie rigoureuse, par des rythmes sériels et par des jeux d'opposition de matière et de couleur. [Liz Gautier]

Donald Judd

Sculpture - 1969

Untitled - 1991

Le Pop Art de Roy Lichtenstein

Le Pop Art est apparu en Grande-Bretagne. Le précurseur de ce mouvement fut l’Independent Group, un groupe d’artistes et d’intellectuels qui contestaient les approches modernistes de l'époque ainsi que le point de vue traditionnel des beaux-arts. L’invention du mot Pop Art bien que souvent crédité au critique d’art Lawrence Alloway a été inventé par John McHale en 1954.C’est seulement vers la fin des années 50 que le Pop Art apparaît aux Etats-Unis sous l’impulsion de Roy Lichtenstein, Andy Warhol…

Né à New York, Roy Lichtenstein suit les cours de la School of Fine Arts de la Ohio State University.Selon la légende, c’est pour répondre à un défi lancé par son fils que Roy Lichtenstein exécute en 1961 son premier tableau d’après un dessin de Mickey. La bande dessinée lui permet alors de traduire sa vision d’une Amérique en prise avec le consumérisme prôné par la publicité. Lichtenstein est fasciné par l'efficacité de ces représentations populaires où les objets sont réduits à un essentiel accessible et anonyme qui lui paraît d'une vitalité bien supérieure à l'expressionnisme abstrait, lequel sombre alors dans l'académisme. Il utilise les couleurs vives et décalées ainsi que les techniques picturales dîtes "industrielles" et la sérigraphie. Il utilise aussi les symboles populaires dans le but de désacraliser l'œuvre d'art.Roy Lichtenstein emprunte non seulement l’iconographie des bandes dessinées, mais s’inspire aussi de leur technique mécanique (cernes noirs, couleurs saturées, dessin synthétique...), tout en conservant une technique classique de peinture à l’huile. [Margaux Riviere]

Roy Lichtenstein - Look Mickey - 1961

Roy Lichtenstein - Kiss - 1962

Roy Lichtenstein - Hot Dog - 1963

L'OP Art de Bridget Riley

L’Op Art est né en 1964 lors de l’exposition « Responsive Eye » au Museum of Modern Art à New York. C’est une tendance qui, au sein de l’art cinétique, privilégie les effets optiques générateurs d’illusion de mouvement. On y retrouve fortement l'inspiration des recherches cubistes, vorticistes, constructivistes et orphistes et de certains artistes comme Lissitzki, Moholy-Nagy et Marcel Duchamp. Les méthodes et les matériaux sont multiples, les artistes jouent sur des assemblages géométriques, des oppositions chromatiques, des superpositions de trames, des structures formelles répétitives et des différences de tons.

Bridget Riley est une artiste britannique qui a commencé à créer des œuvres représentatives de l’Op Art bien avant que le nom Op Art ait été inventé. A l’époque, elle était professeur d’art et commençait  à explorer l’interaction entre la forme, la ligne et la lumière en passant du noir au blanc. C’est ce qui lui a permis de développer un fabuleux travail sur l’art cinétique en noir et blanc dont font partis les œuvres Loss en 1964 et Black to white discs en 1961. Elle a ensuite expérimenté différents médiums, maîtrisé l’art de l’estampe, joué avec des thèmes de différentes formes, introduit la couleur à ses tableaux… C’est une artiste pleine de ressource, dotée d’un méthode méticuleuse qui permet à ses œuvres d’être phénoménales. [Manon Le Coënt]

Bridget Ridley devant son œuvre Continuum

Black to White Disc 1961-62

Loss 1964

Le nouveau réalisme et Yves Klein

Le Nouveau Réalisme a débuté en 1960 autour du critique Pierre Restany, avec les artistes suivants :  Yves Klein, Arman, François Dufrêne, Raymond Hains, Martial Raysse, Daniel Spoerri, Jean Tinguely, Jacques de la Villeglé ; auxquels s’ajoutèrent César, Mimmo Rotella, puis Niki de Saint Phalle et Gérard Deschamps en 1961.

Ces artistes affirment s’être réunis sur la base de la prise de conscience de leur « singularité collective ». En effet, dans la diversité de leur langage plastique, ils perçoivent un lieu commun à leur travail, à savoir une méthode d’appropriation directe du réel, laquelle équivaut, pour reprendre les termes de Pierre Restany, en un « recyclage poétique du réel urbain, industriel, publicitaire ».

Yves Klein fait donc parti de ce que l'on appele les Nouveaux Réalistes. Malgré une carrière artistique assez courte (1954-1962), il est considéré comme un des plus importants protagonistes de l'après-guerre avant-gardiste. Il est notamment connu pour son Bleu (IKB pour International Klein Blue) qu'il appliqua sur de nombreuses œuvres (toiles, sculptures, éponges...). Yves Klein veut enregistrer les traces du vent, de la pluie et du mouvement.

"Après tout, mon but est d'extraire et d'obtenir la trace de l'immédiat dans les objets naturels, quelle qu'en soit l'incidence, que les circonstances en soient humaines, animales, végétales ou atmosphériques." Yves Klein. Yves Klein inclut ainsi l'homme dans la perception de la nature, qui devient actrice, inter-actrice de la création artistique. [Romane Torqueau]

Yves Klein

Yves Klein - Anthropométrie de l’époque bleue - 1960

Le Land Art de Patrick Dougherty

Le Land Art est un mouvement apparu à la fin des années 1960. Les artistes de ce mouvement délaissent leurs ateliers, les galeries et les musées pour travailler directement dans le paysage, utilisant le cadre et les matériaux de la nature, comme le bois, la terre, les pierres, le sable, les rochers… Ils investissent la nature et les paysages comme ils le souhaitent. Le plus souvent, les œuvres sont à l'extérieur. Elles sont exposées aux éléments, et soumises à l'érosion naturelle. Souvent, ces œuvres sont éphémères et destinées à être photographiées ou à rester tout simplement dans les mémoires de chacun.

Patrick Dougherty fait partie de la seconde génération des artistes du Land Art. Il se spécialise dans la construction en bois naturel et dans la réalisation de structures végétales. Son travail est insolite. Il utilise principalement des espèces de branches souples de saule, noisetier, érable, orme ou jeunes pousses d’arbres. En effet, il travaille la matière comme si il faisait une véritable peinture. Il compose ses œuvres avec talent et arrive à leur donner du sens comme pour son oeuvre Here’s Looking at You, ci-dessous.

Patrick Dougherty

Here’s Looking at You- Patrick Dougherty - Installation at Bosque School - Albuquerque - October 2009

Ici, il compose des visages plus « qu’observateurs » grâce à des branches tissées entre les arbres. Son approche du Land Art est à la fois intéressante et dérangeante car il arrive a recréer une sorte d’humanité avec des matériaux entièrement naturels.

Call of the Wild, 2002 Museum of Glass, Tacoma, WA

Dougherty encourage les spectateurs à construire leurs propres associations personnelles lorsque vous regardez son travail. En effet, les branches et autres brindilles, ont été utilisées comme matériaux de construction depuis des milliers d'années et Dougherty croit qu’il y a une véritable histoire entre eux. [Elaura Couton]

L'Arte Povera de Giuseppe Penone

Giuseppe Penone est un artiste italien assimilé à l'Arte Povera, mouvement, ou plutôt démarche, vis-à-vis de l'art et des moyens mis en œuvre, qui est caractérisé par l'utilisation de matériaux pauvres, issus de récupération ou de matériaux d'essence naturelle, comme le bois, le sable etc.

Dans les œuvres de cet artiste, ce qui m'intrigue est le rapport au temps présent dans beaucoup d'entre elles. C'est à travers la nature que s'exprime ce rapport, nature qui est plus qu'au service de l'œuvre, puisqu'elle en est partie intégrante ainsi que de son évolution au fur et à mesure du temps. Une main d'acier est moulée autour du tronc d'un jeune arbre. Ce dernier va alors grandir et se développer autour de la main.

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Arbre, moulage en bronze de la main de l’artiste.1968

Le moule d'un visage est apposé sur une citrouille en croissance, celle-ci va alors prendre la forme marquée dans le moule. [Maxime Bigonnet]

Penone, "Zucche", 1978-79

Art Corporel - Orlan

Le Body Art ou Art corporel consiste en un ensemble de pratiques artistiques effectuées sur ou avec le corps. Nombreux artistes font de l'art corporel une performance.

Orlan utilise la chirurgie esthétique comme une part de son art corporel. Utilisant ses interventions chirurgicales comme performances artistiques en les faisant filmer.

[Antoine HAMON]

Orlan, "Omniprésence" 1993

Orlan

Orlan - Self Hybridation

Le Street Art - Edgar Müller

L'art urbain ou le Street Art est apparu autour des année 1960. Il regroupe toutes les formes d'art dans la rues, graffitis, réclames, pochoirs, mosaïques, stickers etc. et puise ses origines dans des disciplines graphiques variées comme la bande dessinée ou l'affiche.

C'est donc un art éphémère vu par un grand nombre de personnes puisqu'il est exposé dans un espace public. En effet “L'art s'est déplacé de l'objet spécialisé en galerie, vers l'environnement urbain réel” Allain Kaprow.

Edgar Müller est né le 10 décembre 1968 en Allemagne et fait partie de ce mouvement. Il va très vite participer à des compétitions qui lui permettront de se faire connaître. En 1998 il reçoit le titre de “maître maddonnari” (maître peintre de la rue) lors d'un des plus grands festivals de peinture de rue, appelé le Grazie Festival. A 25 ans, il se consacre entièrement à la peinture de rue et voyage dans toute l'Europe en vivant de son art.E.Müller est un artiste autodidacte dont les inspirations sont l'illusion, la 3 dimensions et l'anamorphose. Il peint la plupart du temps de grandes crevasses très impressionnantes sur de grandes zones urbaines et change ainsi leur apparence. [Lisa Monsimier]

Edgar Müller devant son œuvre "Crevasse"- 2008

untitled - Hong-Kong.

Lava Burst - peint lors d'une compétition en Allemagne - 2008

L’art numérique - Maurice Benayoun

L’art numérique est un art qui allie œuvre d’art et langage numérique. L’évolution technique et les différents types de langage numérique permettent de réaliser des œuvre que l’homme ne pourrait faire seul. Grâce à la puissance de calcul des ordinateurs et le développement des interfaces électroniques entre homme et machine, le résultat de cette rencontre permet des rendus incroyables. Il existe différentes sous-catégories de l’art numérique telle que la réalité virtuelle, la réalité augmentée, l’art génératif ou bien l’art inactif.

Maurice Benayoun est un "artiste numérique" considéré comme l’un des chefs de file de la création numérique. Ce français est l’un des co-fondateurs en 1987 de Z-A, laboratoire qui joua pendant 15 ans un rôle pionnier dans le domaine des nouveaux médias, de l'image de synthèse, de la réalité virtuelle et de la muséographie interactive.

Le Tunnel sous l'Atlantique est une œuvre expérimentale de télévirtualité réalisée par Maurice Benayoun, permettant à des utilisateurs situés de chaque côté de l'Océan Atlantique, Paris et Montréal, d'interagir et de se rencontrer dans un espace virtuel qu'ils ont contribué à créer.

Deux personnes pénètrent aux deux extrémités d'un tunnel virtuel reliant le Musée d'Art Contemporain de Montréal au Centre Georges Pompidou de Paris.

World Skin est une autre installation de Maurice Benayoun qui interroge notre rapport aux images, ainsi que notre comportement face à elles. Il met en place un scénario, les spectateurs, munis d’un appareil photo se retrouve dans une boite noir dans laquelle des vidéos sont projetées contre les murs. Ces vidéos donnent à voir un univers sombre et délabré, paysage de guerre, empli de douleur. Le spectateur pénètre dans cet espace, dans lequel il est totalement immergé. À chaque photo prise, une partie du décor photographié disparaît du paysage vidéo.

Le spectateur ce retrouve comme un touriste, caméra à la main et qui va faire évoluer le décor, et l’emmener toujours un peu plus loin dans cet univers. Du statut de touriste-spectateur, nous devenons nous même acteur de l’œuvre. [Guillaume Allemon]

Lien vers son site: ici

Tunnels Around the World - 1995

Maurice Benayoun- Word Skin - 1998

Aloïse Corbaz : emblème de l'art brut.

L'art brut, terme inventé en 1945 par Jean Dubuffet, est un art spontané, sans prétention. Il regroupe des productions réalisées par des non-professionnels de l'art, dépourvus de culture artistique, ne s'attardant pas sur un esthétisme convenu. Il s'agit par exemple de pensionnaires d'asiles psychiatrique, d'autodidactes isolés, de médiums etc. 

Aloïse Corbaz en est un emblème. Cette artiste suisse née en 1886 et décédée en 1964 rêvait de devenir cantatrice. A 18 ans, après avoir obtenu son diplôme de culture générale à l'école secondaire, elle étudie au sein de l'école de couture à Lausanne. Elle travaille ensuite entant que surveillante et gouvernante. En 1920 elle est internée pour des troubles mentaux (schizophrénie). Dès son internement, elle s'adonne au dessin et continuera de créer jusqu'à sa mort. Certains thèmes sont récurrents notamment le couple amoureux, le théâtre, l'opéra ou encore l'adoration des mages. Les techniques de réalisations sont variées (mines de plombs, gouache, crayons de couleur, feutres, craies grasses...) et elle aime utiliser la totalité de l'espace disponible (les deux faces du support). Parfois, elle parsème ses œuvres de mots et de phrases et on ne peut s'empêcher de remarquer les yeux entièrement bleus de tout ses personnages. [Pauline Sparfel]

Aloïse Corbaz

Lit de Napoléon (page d'un carnet à dessin) 1941-1951

Abbé Bovet 1960-1963