Autour de l'exposition Roy Lichtenstein

Autour de l'exposition ROY LICHTENSTEIN

    

             Source : Service audiovisuel du Centre Pompidou

          Au Centre Georges Pompidou à Paris, du mercredi 3 juillet au lundi 4 novembre 2013, vous pourrez découvrir l'exposition entièrement consacrée à l'artiste américain, ROY   LICHTENSTEIN. Cette exposition met en lumière des collages et dessins présentés pour la première fois en France ainsi que des peintures et sculptures empruntant leur sujet ou leur forme à la bande dessinée, l'image publicitaire ou l'histoire de l'art. Roy Lichtenstein apparait comme un artiste majeur du XXème siècle et plus particulièrement du Pop Art. C'est l'occasion, pour nous, de faire un dossier sur ce mouvement et sur les artistes qui en font partie.

Biographie Roy Lichtenstein

           

         Roy Lichtenstein est né à New-York en 1923 au sein d'une famille aisée. Il fait partie des artistes majeurs du Pop-Art. Ses œuvres sont principalement inspirées des comics, de la publicité et de l'imagerie populaire de son époque. Il définit son style comme « aussi artificiel que possible ». Il fait ses études supérieures à l'université d'Etat de l'Ohio. Son professeur Hoyt L.Sherman aura une grande influence sur son style. Suite à ses études, il est engagé comme professeur et la première expo lui étant entièrement consacrée a lieu en 1951 au Canada. A cette époque, son travail se situe entre le cubisme et l'expressionnisme. En 1960 il est enseignant à l'Université Rutgers et se retrouve très influencé par son collègue Allan Kaprow. Il s’intéresse alors à l'imagerie proto-pop. De 1961 à 1965, il reprend des images de dessins animés et les mêle à une technique inspirée de la publicité. Durant cette période aura lieu sa première exposition individuelle à New-York (1962). Et c'est en 1963 qu'il met au point la technique de masque lui permettant de produire plus efficacement les points de trame qui font sa marque de fabrique. En 1973, il réalise des natures mortes et combine le cubisme à ses travaux. Il crée, en 1976, le logo DreamWorks Records et un logo pour Pro-Choice. En 1985, le miroir devient l'un de ses sujets de prédilection. En 1995, Roy Lichtenstein reçoit la Medail of art pour son œuvre. C'est deux ans plus tard qu'il décède d'une pneumonie. On estime au nombre de 4500 le nombre de ses œuvres en circulation dans le monde.

Aujourd'hui (et depuis 1999) Une Fondation Roy Lichtenstein existe à New-York. [Pauline Sparfel]


Look Mickey

Look Mickey, Roy Lichtenstein, 1961

© National Gallery of Art, Washington

© Estate of Roy Lichtenstein New York / ADAGP, Paris, 2013

        Regarde Mickey est considéré comme l'une des premières œuvres Pop de Roy Lichtenstein. L'idée lui est venue de l’un de ses fils qui l'aurait défié de peindre aussi bien que ce qu’il voyait dans son album. Dans ce tableau, Lichtenstein représente Mickey et Donald en s'inspirant des bandes dessinées de l'époque. Utilisant des points Benday, des contours épais, des couleurs primaires et des bulles pour les dialogues, il exprime ici un style propre à la B.D. En revendiquant son art "commercial" et sa "neutralité", il s'inscrit dans la culture Pop. [Antoine Hamon]  

Les Brushstrokes de Roy Lichtenstein

Brushstrokes de Roy Lichtenstein, 1966

          Au départ, c'est en voulant parodier les artistes abstrait qu'il a peint ces coups de pinceaux. C'est en peignant soigneusement la représentation des mouvements de pinceaux qui sont d'habitudes fait directement sur une toile sans intention ni réflexion qu'il exprime son sarcasme.

C'est donc en 1965 qu'il commence à peindre des œuvres dont le sujet est la peinture elle-même. Il peint soigneusement des coups de pinceau agrandis et simplifiés, cernés de noir sur une trame de points. Sa peinture est dépersonnalisé, sans émotion. Le geste pictural est parodié de la même manière que les images tirées des comic-books, dans un style froid et mécanique. Les Brushstrokes peints sont sans ombre ni relief, sans profondeur. Juste des images planes sur une surface plane. [Apolline Hellez]

"Les coups de pinceau revêtent une importance primordiale dans l'histoire de l'art. Les coups de pinceau sont presque un symbole de l'art... Bien sûr quand les coups de pinceau sont visibles sur une toile, on y voit un côté grand geste. Mais, entre mes doigts, le coup de pinceau devient la représentation de ce grand geste. Il y a ainsi une contradiction frappante entre ce que je dépeins et comment je le dépeins." Roy Lichtenstein. [Appoline Hellez]

« Aussi artificiel que possible », Roy Lichtenstein

         Du 3 juillet au 4 novembre 2013, le Centre Pompidou nous consacre une rétrospective à l'un des pères du pop-art : Roy Lichenstein. A travers une sélection de cent-vingt-quatre tableaux, sculptures et estampes, l’exposition dévoile l’ampleur, parfois surprenante, d’un artiste qui fut, dès l’origine, plus qu’un peintre pop : un expérimentateur de matériaux, un inventeur d’icônes, un amateur érudit de la peinture moderne. 
C'est en 1978 qu'il réalise Lamp, une sculpture extérieure de 3,50 m de hauteur représentant un lampadaire qui illumine le sol en formant son propre socle. Le lampadaire en lui-même n'est qu'une partie infime de l'œuvre : en effet, on remarque surtout les rayons lumineux qui érigent le lampadaire à 3 mètres de haut. Le lampadaire agît comme une sorte de prisme : la lumière part de la lampe, projette un filet lumineux diffus pour arriver au sol.

Lamp, 1978, Roy Lichtenstein

Le style Lichtenstein est bien reconnaissable, ce style dit "comics" (issu de la bande dessinée) est aussi présent dans ses sculptures comme nous pouvons le voir ici : c'est comme si ses peintures étaient directement transcrites en 3 dimensions.
Cette œuvre résume parfaitement les sculptures du peintre : style graphique simple et efficace, emploi des couleurs jaunes, rouge, vert noir et blanc… Bref, Lamp est l'une des sculptures étonnantes de Roy Lichenstein, à découvrir au musée Beaubourg jusqu'au 4 Novembre. [Romain Sillon]

Petite définition du Pop art

Screenprints, Eduardo Paolozzi, 1960

Roy Lichtenstein, drowning girl 1963

Le Pop-art est un mouvement artistique influencé par la consommation de masse, la télévision, la publicité, les magasines, les bandes-dessinées. Le Pop-art a vu le jour en Grande Bretagne au début des années 50 sous l'impulsion d'Eduardo Paolozzi et il apparaît aux USA à la fin des années 50 grâce à des artistes comme Andy Wahrol, Roy Lichtenstein ou encore Jasper Johns. On différencie les styles d'un pays à l'autre.
Les britanniques sont plus évocateurs et subjectifs tandis que les américains sont plus agressifs, dramatiques et emblématiques du mouvement. 
Ce qui les rassemblent ce sont les couleurs vives en décalage avec la réalité. 
De plus ils remettent en question le principe de l'œuvre d'art unique et produisent leurs œuvres en plusieurs exemplaires. 
C'est un art populaire qui n'est plus réservé à une seule élite. [Liz Gautier]

Pop Art Anglais

Edwardo Paolozzi

          Cet artiste britannique est considéré comme l'un des artistes emblématiques du mouvement pop art. Il dépeint la société de consommation, développe une véritable fascination pour la culture populaire, s'intéresse au pouvoir de l'image sur les personnes, observe la relation intime de l'homme avec la machine et la technologie. D'abord sculpteur, il va utiliser des collages en puisant dans la publicité et la bande dessinée. Par la suite, il produira des impressions sérigraphiques.

Avec Richard Hamilton, le couple d'architectes Alison et Peter Smithson, des designers de mobilier et un historien d'art, Reyner Banham, il forme L'Independent Group. Ils s'intéressent à la ressource esthétique que constitue l'environnement quotidien : les techniques artistiques appliquées à l'industrie, les formes de culture populaire comme la science-fiction, le roman noir, la musique, la mode, la publicité, le cinéma.

Tout au long des années 60, Paolozzi synthétise dans ces œuvres la surcharge d'informations, le bombardement d'images qui sature l'espace urbain et la culture populaire. Le résultat est esthétiquement fort comme par exemple dans cette œuvre :

Eduardo Paolozzi, Secrets of Internal Combustion Engine 1967

       Secrets of Internal Combustion Engine (1967), réalisée en sérigraphie, est une des œuvre emblématique du travail effectué par Edwardo Paolozzi durant sa période Pop. On y retrouve des éléments de publicité, de bande dessiné, qu'il tente d'assimiler à des machines à faire consommer. [Thibault Merlet]

   Richard Hamilton

"Just what is it that makes today's home so different, s appeating? ", Richard Hamilton, 1922

     Richard Hamilton est un artiste anglais, originaire de Londres, né en 1922, mort en 2011. Peintre et graphiste, il est très influencé par le travail de Marcel Duchamp. Son œuvre « Just what is it that makes today's home so different, s appeating ? » créée en 1922, est considérée comme l'une des premières œuvre du Pop Art. 

Le tableau nous interroge sur se qui rend nos foyers si différents, si attirants et dénonce les mutations sociales. Cette œuvre est faite à partir de différents collages d'images, de photos de journaux et de magazines, découpés et assemblés, afin de créer une scène de genre qui représente un salon, où on trouve le corps carricaturalement parfait de Irvin Koszewski, vice mister univers, et d'une pin-up. La pièce est parsemée d’objets caractéristiques de l’époque, principalement dédiés à la diffusion du son et de l’image. On remarque aussi un aspirateur et une ménagère qui nettoie les escaliers, entre eux la pancarte « Ordinary cleaner reach only this far » (Habituellement, les aspirateurs ne vont que jusque-là). En arrière-plan, on devine une affiche de cinéma pour le film : "The Jazz Singer", le tout premier film américain avec bande sonore. 
L'artiste a mis l'accent sur la perfection des corps, les différents médias, l’intérieur à la propreté aseptisée et au mobilier sans âme. 
Le collage servira de couverture à l’exposition de l’Independant Group : This is Tomorow en 1956 à la Whitechapel Art Gallery de Londres. [Jean-Baptiste Dodin]

Les piscines de David Hockney

      David  Hockney est né le 9 juillet 1937 à Bradforld au Royaume-Uni. En 1963, il rencontre Andy Warohl, c'est à partir de se moment qu'il orienta sa peinture vers le Pop Art pour ensuite devenir une figure majeur de ce mouvement.

L'artiste est connu pour ses séries, la plus célèbre étant  celles des piscines, alors qu'il n'en a réalisé qu'une dizaine de peinture. On y voit une représentation de villas californiennes et de leurs piscines bleu turquoise, reflétant ainsi l'univers artificiel californien. Il y montre un monde plat, presque figé grâce à une perspective presque inexistante et des aplats de couleurs. L'œuvre la plus célébrée de cette série est « A Bigger Splash » qui reprend un bon nombre de ces codes.

A Bigger Splash de David Hockney, 1967

Il sera tellement obnubilé par les piscines qu'il en viendra à peindre la sienne de multiple motifs de vagues. [Lisa Monsimier]

David Hockney

Pop Art Américain

Andy Warhol et ses "Campbell's Soup Cans"

Andy Warhol 1981

          Celui qu’on nomma le Pape du Pop Art, Andy Warhol a été le premier à comprendre qu’au-delà d’un simple produit et de son packaging éphémère, il existait une autre réalité.

Sa réflexion fut d’apporter un point de vue différent sur les produits de consommation qui habillaient notre quotidien. Warhol, venant du monde de la communication et de la publicité, reste dans la logique de son métier de graphiste et de créatif. Le génie d’Andy Warhol fut de s’approprier certains produits de grande consommation. Coca-Cola, Brillo, Del Monte ou Campbell’s Soup ont ainsi acquis, grâce à lui, une notoriété à la fois populaire et artistique. Ces produits sont devenus des icônes graphiques.

32 Cambell's soul cans, Andy  Warhol, 1962

          Campbell's Soup Cans, souvent appelée 32 boîtes de soupe Campbell, a été créée en 1962. Elle est composée de trente-deux toiles peintes, mesurant chacune 50,8x40,6 cm, et représentant chacune une boite de conserve de soupe Campbell – une de chaque variété de soupe en conserve proposée par la marque à cette époque. Les peintures individuelles ont été fabriquées avec un procédé sérigraphique semi-mécanique, dans un style non pictural. Cette œuvre a propulsé le Pop Art comme mouvement artistique majeur aux États-Unis. (définition wikipédia)

Pour célébrer le 50e anniversaire d’Andy Warhol, la marque de soupe a décidé de lancer de nouvelles boîtes Campbell à la tomate avec des étiquettes réalisées à partir de l'oeuvre originale de Warhol. Elles préservent le style Pop et vibrant de Warhol avec des combinaisons de couleurs accrocheuses comme l’orange et le bleu ou le rose et le bleu sarcelle. [Margaux Rivierre]

Special edition 2012, cambell's soup cans, Andy Warhol

Andy warhol, les portraits de Marilyn.

Portrait, Marilyn Monroe 

Les portraits de Marilyn ont été créés par Andy Warhol dans les années 1960. Pour certains, il utilise la technique de la sérigraphie lui permettant d'effectuer des variations de couleurs sur un même motif. 

Le visage de Marilyn sur ces portraits paraissent figées, sans réelle expression. L'utilisation d'aplats de couleurs, transfigure le visage du modèle dans le domaine de la culture populaire (BD, affiche, images de Flipper…). Les contrastes forts entre les couleurs employées créent un jeu visuel saturé, fascinant. Warhol joue avec les codes de la société de consommation (développement supermarchés et hypermarchés aux Etats-Unis ) et l'image de la femme.

Il souhaite montrer à travers ces portraits que l'on peut faire de l'art comme on produit un objet de consommation jetable. Il reproduit Marilyn à l'infini, comme une production en série de très grande quantité. [Romane Torqueau]

Claes Oldenburg, du quotidien au   gigantesque.

Claes Oldenburg, Shuttlecocks, 1994 ©

       Claes Oldenburg, né le 28 janvier à Stockolm, est un sculpteur New-Yorkais dont la carrière débute dans les années 60 et s’insère dans le mouvement Pop Art. Il est connu pour ces œuvres monumentales inspirées d’objets du quotidien qui relatent les métamorphoses que subit la société. En effet, ces sculptures molles, ou éléphantesques, mettent jouent avec les codes de la société de consommation des années 1960-70 et attribuent une dimension extraordinaire et un statut artistique à des objets banals. Des thèmes, comme la nourriture sont récurrents chez cet artiste qui propose une nouvelle façon de contempler une nature morte. Les œuvres, parfois ironiques, de Claes Oldenburg tentent donc de rapprocher l’art de la vie réelle et de faire réfléchir le spectateur, « Une œuvre n'est pas quelque chose de beau à regarder, sa valeur c'est d'être une école de pensée. L'important est l'image mentale qu'elle imprime. » [Eglantine Cassand]

 Claes Oldenburg, Spoonbridge and Cherry, 1988 ©

James Rosenquist,  I love you with my Ford.

« I love you with my Ford » 1961. Huile sur toile,(210.2 x 237). Musée d'art moderne, Stockholm, Suède.

          L’artiste peintre américain James Rosenquist, né le 29 novembre 1933 à Grand Forks, Dakota du Nord, est un acteur important du Pop Art. Ayant travaillé en tant que peintre affichiste, on retrouvera une influence certaine du monde de la publicité dans son œuvre. En effet, il utilisera fréquemment de très grands formats et réinvestira une iconographie propre à la publicité afin de véhiculer ses idées sur les contextes culturels et politiques du moment, à travers des techniques de collages et de peinture, offrant un rapport indéniable à la réalité de la vie moderne contemporaine.
I love you with my Ford en est un exemple caractéristique. Le tableau est découpé en trois bandes horizontales, présentant respectivement en gros plan une voiture, des amants s’embrassant et des spaghettis ; Ces images ne semblent au premier abord ne rien avoir en commun, mais finalement associées, elles invitent à une réflexion sur une société américaine centrée sur des valeurs telles que l’automobile, l’amour, le sexe, la consommation de masse… On peut ainsi y décrypter une critique de la société de consommation et de la culture capitaliste. [Maxime Bigonnet]

Mel Ramos

Kellogg's Girl, Mel Ramos, 1999

          Mel Ramos est un artiste peintre américain né en 1935. Il s’inspira à ses débuts du style graphique des comics américains, tout comme Roy Lichtenstein, en reprenant des héros célèbres tel que Batman. Il se dirigea par la suite vers l’univers des Pin-up, représentant ainsi des femmes aux formes sexy, nues sortant d’emballages de produits de consommation courante (la plupart du temps des produits alimentaires). Mel Ramos justifie ce choix en déclarant : « Mes travaux sont très proches du dessin publicitaire car ils s’écartent de l’intellectualisme et disent directement ce qu’ils ont à dire». Tout comme Andy Warhol, Mel Ramos vise à montrer du doigt la société de consommation au travers de représentation de marques connues. [Bérangère Lévy]

Edward Ruscha

          Edward Ruscha est un artiste aux multiples facettes ayant travaillé les métiers de la peinture, de la photographie et s’initie même au métier de réalisateur. Il est née le 16 décembre 1937 à Omaha dans le Nebraska où il se découvre une passion pour l’art encouragée par sa mère. Il a fait parti de l’exposition « New Painting of Common Objects » (considérée comme l’une des premières expositions Pop Art aux Etats-Unis) au côtés de grand nom tel que Andy Warhol.
Edward Ruscha fonde sa réputation principalement grâce à ses peintures incorporant des mots ou des phrases. A travers ces œuvres, l’artiste va évoquer la langue américaine d’une nouvelle façon à travers l’argot notamment.

20th Century Fox, Edward Ruscha, 1962

Dans sa période pop, Ruscha va effectuer un formidable travail autour d’emblèmes nationaux comme le symbolique panneau Hollywood ou encore le « 20th century Fox ». [Virgile Fracchetti]

Le Pop Artiste Robert Indiana (Love)

Robert Indiana

          Robert Indiana est le créateur de la sculpture LOVE qui est visible dans le Love Park à Philadelphie. Cette œuvre représente l’art populaire présent dans la sculpture. En 1973, un timbre est créé, aux États-Unis, reprenant cette image qui sera imprimée à 320 millions d’exemplaires. Outre Philadelphie, la sculpture LOVE a élu domicile dans les rues de ville aux quatre coins du globe : New York, Madrid, Singapour, Taipei, Shanghai, Montréal, Tokyo… L’artiste Pop fait donc l’effet d’une bombe avec son oeuvre LOVE et ainsi délivre Un beau message d’amour au cœur de villes de plus en plus grande. [Pierre Arassus]

Sculpture LOVE à Philadelphie par Robert Indiana en 1973

Cliquez ici: Site web

Tom Wesselmann

Tom Wesselmann

        Tom Wesselmann est un des peintres américains du XXème siècle fondateurs du mouvement Pop Art, avec Roy Lichtenstein et Andy Warhol. Il étudie à l’Art Academy de Cincinnati et à la Cooper Union for the Avancement of Science and Art de New York. Ses sujets de prédilection se concentre autour des nus féminin, des natures mortes, des portraits et des intérieur.

Tom Wesselmann, Grand nu américain, 1967

L'œuvre de Tom Wesselman se divise en deux séries majeures, de grands nus féminins (Great American nude) et des natures mortes (Still life), réalisées à partir de collages d'images découpées dans des magazines et d'objets trouvés.

L'érotisme est constamment présent dans la série de ses Grands nus américains. Ces œuvres sont composées dans des formes planes et simplifiées. Wesselman en souligne fortement la bouche, les seins, les hanches et les cuisses, à la façon d'images publicitaires.      [ Guillaume Allemon ]

Smoker Study,1967

Cliquez ici : Site web